Credenze, valori, comportamenti, idee. Dall’alba dei tempi sono questi gli elementi necessari a sedimentare la coesione tra gruppi di persone. Istanze che vengono tramandate di generazione in generazione tramite le storie. Accade nelle tribù, accade anche nelle aziende.

La cultura aziendale è una faccenda tribale

Tutte le organizzazioni umane sono fondamentalmente tribù. Le aziende in particolare hanno profonde caratteristiche tribali. E dall’alba dei tempi ciò che tiene insieme una tribù è la condivisione di storie. Il che significa riconoscere che in definitiva anche la “cultura aziendale” si basa su una narrazione, che permette di individuare valori comuni e costruire un senso di appartenenza e di comunità.

Si parla molto in questi tempi di cultura d’impresa e se ne parla in un modo nuovo, sfidando spesso il concetto che un’azienda abbia come proprio obiettivo principale solo quello di fare profitti. L’emergere di ampi dibattiti globali sulla Corporate Social Responsibility (CSR), sui fattori ESG o DEI e in definitiva sul purpose dell’impresa, hanno contribuito a rilanciare nelle aziende e nelle università le riflessioni su quali siano le caratteristiche della cultura aziendale. Le nuove generazioni in particolare non cercano un «impiego» e dei benefit, ma vogliono sapere che cosa un’azienda ha a cuore e per cosa si impegna, come promette di rendere migliore il mondo (o quantomeno di non peggiorarlo).

Il metodo più efficace per rispondere a queste esigenze è quello che ogni tribù conosce da sempre: raccontare la storia e le storie del percorso che si è fatto e si sta facendo insieme.

Lo confermano anche le ricerche più avanzate in questo campo. A Los Angeles, per esempio, alla Anderson School of Management della UCLA, Janis Forman documenta da anni il potere dello storytelling nella costruzione di solide strategie di business e quando affronta il tema della cultura aziendale cita spesso le tradizioni narrative del passato, incluse quelle tribali. “Nei regni antichi – scrive Forman in Storytelling for Business: The Authentic and Fluent Organization (Stanford University Press) – per esprimere e celebrare i valori fondamentali del regno si ricorreva a un po’ di tutto: dalle fiabe, che sono storie brevi con una morale, alle grandi narrazioni epiche, dove l’azione vedeva coinvolto un vasto panorama di luoghi, eroi e grandi eventi”. 

In azienda si può partire dalla stessa ispirazione, perché le imprese sono fatte di storie e la loro somma, quando sono ben raccontate e promosse in una narrazione coerente, permette di definire al meglio la cultura di un luogo di lavoro. Lo hanno documentato nel dettaglio Eric G. Flamholtz e Yvonne Randle in Corporate Culture: The Ultimate Strategic Asset (Stanford Business Books), teorizzando come la cultura corporate non sia altro che un insieme di valori, credenze e norme condivise. 

Niente di così lontano, quindi, dalle abitudini di una tribù, nella quale i membri si muovono sulla base di “taciti presupposti condivisi di un gruppo che ha imparato affrontando compiti esterni e occupandosi delle relazioni interne”: così scriveva il grande esperto di management e psicologo Edgar H. Schein, della Sloan School of Management del MIT, scomparso lo scorso anno. Analizzando per decenni le culture aziendali, come un antropologo avrebbe potuto fare con le tribù di remote aree del pianeta, Schein ha ricostruito come in ogni impresa si sviluppino tre livelli culturali, sintetizzati in questo celebre schema piramidale nel suo libro Organizational Culture and Leadership:

Ciò che è visibile all’esterno è in buona parte raccolto nel vertice della piramide, tra gli artifacts che la tribù aziendale ha prodotto. Le ragioni e i valori che spingono i membri della tribù ad agire in un determinato modo sono rintracciabili tra gli espoused values al centro. Potrebbero essere qui i fondamenti del purpose aziendale o di quello che Simon Sinek nel suo celebre golden circle chiama il Why dell’azienda. 

Ma è la base della piramide quella che determina davvero la cultura di un’azienda e il modo in cui si comportano i suoi membri. È là sotto che stanno anche le storie decisive, per esempio quelle di un fondatore dell’impresa o della prima generazione manageriale che ha impresso il proprio carattere all’azienda. 

La migliore comunicazione, ripetiamo spesso qui su Cipolla, è sapersi raccontare, ma per farlo un’azienda deve conoscere e riconoscere prima di tutto la propria cultura aziendale e le storie che la caratterizzano. Solo così potrà comunicare con il mondo esterno e con le proprie persone in un modo veramente autentico. Come una tribù. 

In origine strettamente legate al mondo delle controculture, con il tempo le fanzine hanno assunto nuove forme e linguaggi. Con un insospettabile legame con il digitale. Ne abbiamo parlato con Francesco Ciaponi, autore di “Fanzine culture. Ciò che viviamo in rete era già nella carta”.

Niente regole, solo istinto creativo. Le fanzine al servizio dei brand?

Francesco Ciaponi è uno dei massimi esperti di fanzine ed editoria indipendente del nostro Paese. Professore di Storia della Stampa e dell’Editoria presso l'Accademia di Belle Arti di Brera, LABA di Rimini e Istituto Modartech, dirige il magazine Contesto, rivista di editoria indipendente e cultura del testo.

Da qualche settimana è uscito il suo nuovo libro dal titolo “Fanzine culture. Ciò che viviamo in rete era già nella carta”. Ne abbiamo parlato con lui, del media, delle sue caratteristiche e di come possano interagire con un racconto di brand.

BEA - Ciao Francesco, partiamo dall’idea di scrivere un libro sulle fanzine. Com’è nata, come si è sviluppata?

«Insegnando ormai da una decina d’anni “Storia dell’editoria” all’Accademia delle Belle Arti di Brera, nel tempo mi è capitato di inserire nel programma parti che provenivano dal mondo indipendente, di cui la fanzine rappresenta l’argomento più “estremo”. Oggi il corso è completamente su questo tipo di argomenti.

E devo dire che quello che vedo fra i ragazzi un po' mi dà ragione. È incredibile come, all’inizio dell’anno, nessun ventenne tra i circa 100 iscritti all'Accademia di Belle Arti sappia cos’è una fanzine. Questa presa di coscienza da un lato mi abbatte interiormente, dall’altro però apre a tutta una serie di spazi di manovra. Infatti, quando ci troviamo ad approfondire questi argomenti i ragazzi si illuminano come non mai, perché scoprono un mondo intero.

La fanzine, infatti, è l’unico media - così l’ho definito nel testo - dove non esiste una regola. Se non quella che chi decide di realizzare una fanzine si auto impone; questo aspetto è molto radicale. Se ci pensiamo bene è difficile trovare lavori o progetti, sia scolastici che lavorativi, in cui non esiste alcuna regola».

E i ragazzi come rispondono all'assenza di regole?

«Beh, all’inizio con una difficoltà incredibile. È uno spazio in cui nessuno di noi è abituato a muoversi. Così partono molto tranquilli, poi quando capiscono che davvero non hanno riferimenti scatta il delirio, esplodono di creatività. Da un lato abbiamo questo aspetto legato alla storia delle fanzine e alla sua componente radicale e dirompente, mentre nella seconda parte del libro ho raccontato del rapporto con il digitale, di come questa mancanza di regole sia unica anche rispetto al mondo del web.

Queste due parti sono consequenziali nel libro. Una prima parte maggiormente storiografica in cui cerco di delineare un po’ la storia del fenomeno, partendo dal presupposto che in Italia non c’era grande materiale che ne raccontava l’evoluzione, e una seconda in cui mi avventuro un po’ in questa tesi che, come dice il sottotitolo del libro, «Ciò che viviamo in rete era già nella carta». Ciò che oggi creiamo e facciamo nel digitale era già spesso presente nelle dinamiche mediatiche dello strumento “zine”. Da qui cerco di fare una serie di esempi».

Le fanzine nascono un po’ come espressione delle controculture, come veicoli che associano idee e persone all’interno di “nicchie” fuori dai sistemi di potere. Come può un medium con queste caratteristiche spostarsi sul digitale senza perdere di autenticità?

«Sicuramente il rapporto e la contrapposizione sta tra carta e digitale, analogico e piattaforme, è tra questi due supporti e nel loro rapporto dialettico che si instaura un legame tutto particolare. Però è interessante notare come accanto alle differenze possa emergere anche una certa continuità tra quanto accadeva offline e quando accade online. Le prime fanzine, ad esempio, venivano spedite a un elenco di indirizzi postali, ognuno riceveva un contenuto identico su richiesta dell’utente finale perché appassionato a un dato argomento. Si tratta di un processo estremamente simile a quello delle moderne mailing list e dell’invio delle newsletter. 

Questo è solo un fenomeno, ma ce ne sono altri. Pensiamo all’idea del meme, assimilabile agli adesivi che un tempo imperversavano ovunque sulle pareti, oppure i murales. Quello che mi piace, che mi stuzzica è sempre andare a vedere quello che per noi oggi è normale se aveva degli antenati nelle fanzine, e devo dire che ne ho trovati molti. Nel libro cerco di utilizzare più esempi e vari elementi per evidenziare questo grado di parentela».

C’è quindi un confine sottilissimo sotto molti aspetti, ma quello che rimane centrale pare essere proprio l’assenza di regole. È qualcosa che ha a che fare da vicino con la libertà…

«Ovviamente anche questo aspetto rientra nella discussione relativa alle fanzine digitali e quelle fisiche. Chi preferisce il digitale vede delle possibilità molto più ampie rispetto al passato, ma c’è comunque un senso di limitatezza. Nel tempo è cresciuta la capacità interattiva delle stesse. E il termine interattività è fondamentale, da sempre il ruolo del lettore è centrale. Il suo divenire parte del progetto, fare qualcosa, sentirsi chiamato in causa. Con il digitale queste possibilità esplodono e sembrerebbe una gara impari. Però per me la fanzine è un qualcosa che deve essere toccato. Si tratta di un mio gusto personale ma se non la tocco, non la sfoglio o non posso girarla tra le mani, per me se non c’è più tutto questo rischiamo si perda gran parte del suo essere interessante».

Questo è un altro tema. Facciamo molta più fatica a sentire come nostro qualcosa che non possediamo. Oggi l’elemento fisico è diventato esclusivo, mentre il digitale è diventato “popolare”. Come si interseca questo aspetto con quello che fai?

«Questo ragionamento sulle fanzine come mezzo di comunicazione che appare elitario è qualcosa che ritrovo molto nel fenomeno dei magazine indipendenti come “Indie”, “Extra Extra” portato avanti in Italia da realtà quali “Frab's” o “Edicola 518”, quel contesto lì molto vivo e attivo, più strettamente cartaceo, vive ormai un certo feticismo dell’oggetto, arrivato a essere quasi più importante dei contenuti. Il tema dell’elitarismo anche nelle zine è presente. Prendiamo per esempio Ossì, la fanzine erotica stampata in alcuni numeri in risograph, meravigliosa, estremamente curata. Per chi come me studia l’editoria indipendente da sempre, spesso è destabilizzante. Oggi sono definite "indipendenti" cose che qualche anno fa non lo erano affatto, quindi forse va proprio riletto l’oggetto “zine” secondo questa premessa».

«Negli anni ‘70, quando venivano realizzate le riviste underground, i criteri di base erano arrivare a più persone possibili nella maniera più semplice e veloce, quindi oggi tutte quelle fanzine sarebbero online. Mentre spesso oggi usiamo la carta perché è cambiato l’obiettivo: puntiamo a raggiungere dei target sempre più precisi e detagliati, con confini netti. “Fidelizzati”, direbbe qualcuno».

Proprio il legame con la controcultura è un altro degli aspetti chiave. Oggi sembra che anche i movimenti meno mainstream abbiano difficoltà a rimanere “puri”. Questo non rischia di far perdere l’essenza o depotenziare il messaggio delle fanzine?

«Sicuramente il tema di snaturare l’essenza non dico ribelle, perché non tutte le fanzine lo sono, ma comunque anarchica esiste. Se realizzi una fanzine lo fai per dare qualcosa agli altri, poi se sei bravo e questi “altri” diventano 8 milioni di persone, di sicuro non è una colpa. Certo, esistono le fanzine che finiscono per essere usate come house organ o in alcuni casi come “zine” allegate al prodotto. Ho fatto da relatore di tesi ad una studentessa che è entrata in contatto con Tacchettee (un brand specializzato in abbigliamento nostalgico sportivo, ndr) e due volte l’anno produce per loro una “zine” dove non parla di prodotti ma di temi relativi al mondo grafico calcistico degli anni ’90, che viene imbustata insieme ai prodotti. È chiaramente un prodotto molto specifico, old school, volutamente retrò, con fotocopie pinzate e dove lei fa una bella ricerca contenutistica. Lì per esempio l’effetto snaturamento o svuotamento dell’anima anarchica si avverte poco, nel senso che l’approccio è ancora estremamente fresco, si sente che la ragazza è libera di andare dove vuole e fare quello che le pare. Credo sia sempre più un tema di sensibilità, te ne accorgi subito se il linguaggio è calato dall’alto, o in qualche modo imposto, o se il brand vuole utilizzarlo perché ritiene che funzioni nel suo contesto».

«Un bell’esempio di fanzine e rapporto con i brand è quello di Alessandro Michele, anche lui realizzava dei magazine chiamandoli fanzine, perché alla fine ognuno può definirle come meglio crede. Poi si può discutere per molto tempo su questo aspetto, sul fatto che fossero vere e proprie “zine” o meno, ma intanto molte persone che non sapevano di cosa si parlasse grazie a quel lavoro hanno conosciuto il termine stesso di “fanzine”. Visto il contesto avevano sicuramente un altro sapore rispetto al solito ma si torna a un concetto che avevamo già espresso: la fanzine è qualcosa che non si misura nella parte fisica ma nella sensibilità, è l’approccio che fa la differenza tra una fanzine e altri tipi di prodotti. Ma non vuole dire che uno sia migliore di un altro, è solo differente». 

Possiamo definire questa ricerca astratta come il tentativo di creare una comunità di persone che si parlano e discutono, si concentrano attorno a un tema o prodotto?

«Io sono del ‘78, però quando ero ragazzo esistevano ancora ed erano diffusi i fan club dei cantanti e degli artisti. Lì si producevano delle pseudo fanzine dove si seguiva la vita dell’artista, e quell’aspetto “fandom” rimane ancora, di discutere con altri della tua stessa passione. Quello che però spesso manca in questi casi è quell’elemento che nel libro ho chiamato “tempo liberato”. Cioè quando ti stacchi dalle “menate” e ti gusti ogni singolo momento che è solo da godere, che nessuno ti ha chiesto. Sei privo di un obiettivo che non sia il tuo star bene. 

Si tratta di qualcosa che ci permette di passare un minuto, un giorno o un mese a fare qualunque cosa. Qualcosa su cui nessuno può intervenire e mettere bocca. Qui subentra anche l’aspetto molto individualista delle fanzine, che spesso viene dimenticato. 

Poi certamente c’è un aspetto comunitario che è fondamentale ma dobbiamo ricordarci che le fanzine vengono realizzate spesso perché è il singolo a voler comunicare qualcosa. Con una spinta così forte che alle volte è prioritaria anche rispetto al fatto che ci sia o meno qualcuno che voglia leggerla».

Liberandosi dalla schiavitù della produttività…

«Ancora meglio, è una produttività del tutto personale. C’è tutto un filone di studi proveniente dal mondo americano in cui è particolarmente sviluppato, diffuso e considerato come consuetudine, che vede le “zine” come strumento pedagogico utilizzato nelle scuole. Qui le fanzine vengono utilizzate soprattutto nei casi di disagio psicosociale, dal bullismo ai problemi di alimentazione per arrivare alle difficoltà espressive».

«Le “zine” sono considerate un ottimo strumento perché permettono non solo il gusto di “assaggiare” qualcosa che inventi tu, ma anche la possibilità di creare un mondo con cui comunichi cose che con altri linguaggi, soprattutto verbali, non riesci a fare. Un aspetto molto bello».

Quindi il mondo delle fanzine è tutt’altro che ancorato ad ambienti e linguaggi particolari…

No, non lo è. Guardiamo, ad esempio, al tema della “zine” come performance; quindi non come progetto finito ma come costruzione dell’elemento fanzine. Vi faccio un esempio: tra i miei studenti ho avuto una ragazza che è un’assidua frequentatrice di rave. Ha scelto di laurearsi con me proprio con una fanzine sul mondo rave, uno degli ultimi, veri, fenomeni underground rimasti. 

Nel caso specifico i contenuti non sempre erano semplici da trovare. Quello che abbiamo pensato, e poi lei ha fatto con grande bravura, è stato seguire tre o quattro rave e andare ogni volta con un generatore, un portatile e una serie di cellulari quasi usa e getta, godersi e vivere il rave in prima persona e, distribuendo questi cellulari, inserire nella fanzine i contenuti generati da persone a caso durante l’evento. Poi impaginava tutto e stampava la sua “zine” per distribuirla prima della fine del rave stesso. Quindi quella fanzine era legata in tempo reale alla storia del rave. Ne segue le tappe per poi scomparire: questo è l’effetto performativo.

Mi sembra che questi aspetti siano molto vicini all’idea di guerrilla marketing che fa parte degli strumenti di comunicazione che hanno affinità con il mondo della fanzine. Io per la mia laurea, ormai molti anni fa, avevo messo delle fotocopiatrici nei bagni degli uomini e delle donne. Chiunque poteva fotocopiarsi addosso, usando il proprio corpo. Dopo una prima settimana di panico, in cui nessuno “si fotocopiava”, capii che bastava metterci qualche fotocopia che facesse da esempio ed allora cominciò un delirio che ha portato a un risultato finale incredibile».

Si apre un mondo di opportunità potenzialmente infinite.

«Io ai ragazzi dico sempre che oggi il problema delle fanzine non è la possibilità fisica della realizzazione ma piuttosto l’idea. Se hai qualcosa di urgente che “deve” uscire, che senti che ti fa stare bene, anche cose odiose come “Mille modi per uccidere l’artista X”, grandi classici che trovo ai miei esami - se hai qualcosa che si muove dentro e nasce dal corpo, come fosse un bisogno fisico, devi farlo. Non ce l’hai? Lascia perdere».

Chiudiamo con una domanda che per noi è centrale: si può fare una fanzine di brand? Appare difficile far convivere questa spinta così umana con le necessità di un marchio.

«In realtà non lo so. Secondo me è una sfida molto divertente, forse più divertente di fare una fanzine sulla serie tv che ti piace. Qui entrano in ballo molte delle cose che abbiamo detto, certo bisogna capire il progetto alla base e con una “zine” di brand cosa vuoi comunicare, quali contenuti immagini. Se bisogna essere più vicini all’house organ è chiaro che la sfida si fa ardua, se invece si vuole creare rumore intorno al brand allora banalmente, ad esempio, si mette la fotocopiatrice per strada e poi si lavora sul risultato finale. Ovviamente dipende da che tipo di obiettivo ci si pone.

Se i contenuti possono essere veramente liberi, con un approccio fanzinaro, allora è un bel progetto. Io mi ci divertirei molto. Questo perché ti porta a una sfida differente, molto più interessante, riuscire a mantenere quell’approccio di cui parlavamo ma in un ambito in cui quella libertà e quella visceralità solitamente sono meno presenti. Non te le aspetti.

Però non lo escluderei, ci siamo detti che una fanzine non ha regole quindi può tranquillamente essere inzuppata di concetti legati al brand».

AEdicola Lambrate ed Edicola Radetzky a Milano, Edicola 518 a Perugia. Crescono le esperienze di edicole che si reinventano, diventando spazi di socialità ed espressione artistica. Una transizione fondamentale per la vita delle città di tutto il mondo, sempre più prive di luoghi dove fuggire per un attimo dalla frenesia del mondo contemporaneo.

Dalle edicole nostrane ai kiosk sovietici, quando la rigenerazione urbana lascia germogliare cultura

AEdicola Lambrate ed Edicola Radetzky a Milano, Edicola 518 a Perugia. Crescono le esperienze di edicole che si reinventano, diventando spazi di socialità ed espressione artistica. Una transizione fondamentale per la vita delle città di tutto il mondo, sempre più prive di luoghi dove fuggire per un attimo dalla frenesia del mondo contemporaneo

Sempre più spesso la nostra società lavora alla riconversione e al ripensamento di vecchi spazi urbani. Una tendenza che permette la valorizzazione di un patrimonio già esistente ma adattandolo alle nuove esigenze della società di riferimento. Un bell’esempio è quello che viene raccolto all’interno del libro “Kiosk: The Last Modernist Booths Across Central and Eastern Europe” di Zupagrafika, aka il fotografo David Navarro e la scrittrice Martyna Sobeun. Un lavoro che racconta la storia di questi piccoli edifici brutalisti, un tempo fulcro del commercio di strada e della vita quotidiana, ora in decadenza. 

Si tratta di un volume contenente oltre 150 immagini raccolte nel corso dell’ultima decade, da Lubiana a Varsavia, passando per Belgrado e Berlino, il lavoro documenta gli esempi rimanenti di questi piccoli e compatti edifici, prima della loro completa sparizione. Prodotti in serie a partire dal 1966 seguendo il disegno del modello K67 dell’architetto sloveno Saša J. Mächtig, l’innovativa (al tempo) scelta della plastica come materiale permise la loro diffusione in tutta la sfera sovietica. L’estetica geometrica e minimalista si adattava armonicamente ai paesaggi e oggi, per non perderne l’impatto estetico, molti vengono restaurati e reinterpretati trovando rinnovata funzione. Ora librerie attente ai nuovi trend, ora piccoli caffè o spazi di ritrovo artistico, conservano il loro fascino portando nuove prospettive d’utilizzo e spazi d’interazione.

Il libro prova a celebrare il design e l’architettura, certo, ma anche a raccontare un tempo passato e una parte della vita urbana, dall’impatto sociale e culturale, che difficilmente potrà essere rimpiazzato o ricostruito se non proprio attraverso la rigenerazione di questi luoghi.

Trovo ci sia una bellissima storia di cura e un’idea di società diversa in questo tentativo di recuperare qualcosa che per i più sarebbe destinato a sparire. Elementi centrali nella vita che è un tempo era, minacciate dall’avvento del digitale, possono ancora essere recuperate e ripensate come spazi multifunzionali. Pensiamo, ad esempio, al caso di AEdicola Lambrate a Milano: qui una vecchia edicola situata in via Conte Rosso, nel quartiere di Lambrate appunto, è stata riconvertita in un punto di riferimento culturale capace di ospitare eventi e mostre, trasformandosi in uno spazio aggregativo per il quartiere. Nuovamente, come per i Kiosk post sovietici, la dimostrazione che spazi tradizionali possono essere riconvertiti creando nuova vita e accogliendo alcune necessità della comunità, creativa e non, delle città.

Si tratta di un modo per non arrendersi al cambio repentino delle grandi metropoli che rischiano spesso di portare con loro le carcasse di un tempo passato. È in questi casi che si può apprezzare  in maniera plastica l’opportunità che sta dietro all’idea di rigenerazione urbana. AEdicola Lambrate nasce dall’idea e dalla passione di Alioscia Bisceglia, già membro dei Casino Royale e mente dietro al lavoro fatto, sempre a Milano, da Elita Bar e dal creativo Paolo Iabichino. Dall’incontro tra le due menti nasce uno spazio che oltre che essere edicola attenta a giornali e prodotti editoriali in purezza punta a sviluppare progetti artistici: mostre, residenze e incontri. Più di ogni altra cosa, però, AEdicola vuole restituire un punto di incontro e contatto quotidiano al quartiere, un luogo dove incontrare esseri umani, anime, storie di persone in una città sempre più frenetica e isolazionista.

Sempre a Milano esistono casi come quello di Edicola Radetzky, una vecchia edicola in stile Liberty, situata in Viale Gorizia. Un luogo trasformato in uno spazio artistico che ospita mostre e installazioni. A seguito del progetto di riqualificazione della zona della Darsena, Edicola Radetzky, dopo alcuni anni di abbandono, è stata affidata dal Consiglio di Municipio al Progetto Città Ideale che ne ha curato il restauro per trasformarla dalla primavera del 2016 in uno spazio culturale.

A Perugia troviamo l’esperienza di Edicola 518, una piccola edicola che è diventata una libreria indipendente e spazio culturale, attiva nel promuovere l’editoria indipendente e iniziative artistiche di vario tipo. Edicola 518 si autodefinisce “il chiosco ribelle per gli amanti della bella carta”. Fondata da Emergenze, un piccolo gruppo di artisti e giornalisti nato dalla rivista omonima, "di cui ad oggi sono usciti cinque numeri, pubblicati a cadenza periodica e diffusi con impegno missionario su tutto il territorio italiano”. Situata nel centro storico di Perugia, Edicola 518 seleziona e propone una vasta serie di magazine indipendenti, libri d’artista, carte anarchiche, fanzine e autoproduzioni targate Emergenze Publishing.

Sulla falsariga delle esperienze di cui sopra si muove anche Liberi Edizioni, fondato da Nicola Angrisano è un progetto artistico-editoriale nato a Napoli dalla volontà dei suoi ideatori di evidenziare in maniera artistica lo stato in cui versano le edicole in Italia. Il tutto fatto attraverso installazioni temporanee non invasive, che ne recuperano la funzione di punto d’informazione. Realizzate spesso sulle saracinesche di edicole dismesse, è grazie ad azioni vicine alla performance artistica che si cerca di dare evidenza di una situazione fortemente sintomatica della situazione culturale del Paese. 

Questa tendenza globale di riuso e ripensamento degli spazi, che si estende dalle edicole italiane fino ai chioschi dell'ex Unione Sovietica, rappresenta una vera e propria operazione di sostenibilità culturale. Invece di demolire e ricostruire, si valorizza l'esistente, integrando tradizione e innovazione. I vecchi spazi, pur mantenendo la loro identità storica, si reinventano e si riscoprono altri, con la capacità di rispondere alle nuove esigenze sociali ed economiche, diventando testimoni della trasformazione delle città, in alcuni casi provando a frenarla o a indirizzarne il percorso verso strade maggiormente sensibili e a misura di persona.

Ma il legame tra comunicazione, editoria e rigenerazione urbana applicata a questi campi ha molti altri esempi, in particolare in Europa. Il Centre for Contemporary Art (CCA) di Glasgow, ad esempio, rappresenta un luogo di riferimento per la comunità creativa locale, capace di promuovere il dialogo culturale tra diverse discipline come arte, editoria e giornalismo. Eventi artistici, mostre, attività legate alla comunicazione visiva e scritta si svolgono all’interno di questo vecchio edificio riconvertito a nuova funzione.

A Newcastle, sempre nel Regno Unito sorge The Biscuit Factory, un antico edificio industriale risalente al tardo XIX secolo, situato nel cuore del vivace quartiere Ouseburn, realmente dedito alla produzione di biscotti poi trasformato a partire dal 2002 in uno spazio multifunzionale per l'arte, l'artigianato e l'editoria indipendente. Oltre a ospitare gallerie d'arte e studi creativi, la Biscuit Factory è sede di eventi editoriali e di workshop di scrittura e stampa. Un vero e proprio luogo in cui comunicazione visiva e letteraria si incontrano, dialogando. In poco tempo The Biscuit Factory è diventato un punto di riferimento per artisti locali e visitatori, promuovendo l'arte accessibile e sostenendo il talento creativo del nord-est dell'Inghilterra.

La rigenerazione degli spazi urbani dismessi non solo trasforma fisicamente il territorio, ma ha un impatto significativo sul tessuto sociale ed economico delle comunità, ne migliora la qualità della vita e promuove uno sviluppo urbano concretamente sostenibile. Una boccata d’aria in una società che non si permette mai il lusso di rallentare e provare a ridare vita a qualcosa che un tempo è stato importante riferimento nella costruzione delle identità tanto delle città quanto dei propri abitanti.