L'illusione della realtà cinematografica si nasconde dietro un velo tecnico sempre più sottile. Blue screen o green screen? Un fondale in movimento o un veicolo che percorre realmente le strade? Set meticolosamente ricostruiti o location autentiche? Nel mondo che viviamo, in cui si è affacciata l’intelligenza artificiale, l'inganno era già presente ai tempi della cinepresa: una finestra rettangolare su un universo che esiste esclusivamente entro i confini dello schermo. Un inganno ci ha dato la possibilità di vedere realizzata la nostra immaginazione.

Behind the scenes: tra creatività tecnica e narrativa

Questo articolo nasce molto prima della cerimonia degli Oscar di inizio mese. Nasce dalla genuina curiosità che si cela dietro la domanda: “chissà come hanno fatto?”; nasce dalla consapevolezza che non tutto ciò che vediamo sugli schermi è vero, ma anche che non tutto ciò che sembra finto in un film o in una serie tv necessariamente lo è.

Nasce dalla volontà di vedere oltre e di visualizzare il mondo che solo gli attori vedono e con cui interagiscono: ho cercato di vedere il work in progress, il behind the scenes.

Per farlo sono partita da lontano, dalla concezione stessa di effetti speciali, ripercorrendo alcune delle tecniche e delle tappe principali. Prima tra tutte Il viaggio nella luna (1902) di Georges Méliès, ispirato ai racconti di Jules Verne. Mago e illusionista, Méliès è universalmente riconosciuto come il padre degli effetti speciali e del genere fantascientifico su pellicola. Scoprì il trucco della sostituzione nel 1896 e fu uno dei primi registi a usare l'esposizione multipla, la dissolvenza e il colore dipinto a mano direttamente sulla pellicola, ma anche giochi di prospettiva, il passo uno e altre tecniche prese in prestito dalla fotografia e dal teatro. 

Tra i tanti registi, Tim Burton ha saputo restituire importanza allo stop-motion (o passo uno, due o tre). Appassionato di un’estetica gotica che trae spunto dall’espressionismo tedesco e dal surrealismo, ha realizzato con la stessa tecnica anche Frankenweenie (2012, adattamento dell’omonimo cortometraggio del 1984) e La sposa cadavere (2005), ma soprattutto Nightmare Before Christmas (1993), la cui realizzazione ha richiesto tre anni di lavoro. Interessante è la sua chiacchierata con Ray Harryhausen, leggendario maestro della stop-motion, noto per aver rivoluzionato gli effetti speciali nel cinema con tecniche innovative, dando vita a creature e scene iconiche in film come Gli Argonauti (1963) e Scontro di Titani (1981).

Una lunga storia in breve
Andando velocemente avanti nel tempo, passando per la Guerra dei mondi (1953), I dieci comandamenti (1956)  e Mary Poppins (1964), approdiamo a Star Wars(1977)-saga la cui storia di realizzazione è legata a doppio filo a quella del regista George Lucas e della sua Industrial Light & Magic. Impegnativo per il numero di sequenze e di effetti speciali richiesti, nel primo film della saga viene, tra le altre cose, utilizzata la tecnica del matte painting per la creazione degli sfondi di molte scene, combinando dipinti con miniature e modelli in scala. Il matte painting è infatti una tecnica artistica che consiste nel dipingere su una superficie trasparente (solitamente vetro) un paesaggio o uno sfondo dettagliato, sovrapponendolo poi nella pellicola e creando l'illusione di un ambiente più ampio e complesso in fase di ripresa (un altro esempio è la strada di mattoni gialli ne Ilmago di Oz del 1939).

Nel tempo, il cinema ha dato i natali ad alcuni grandissimi talenti, impegnati nel rappresentare verosimilmente paesaggi, effetti e creature fantascientifiche, progettate da zero e realizzate con tecniche tanto sofisticate quanto costose. Carlo Rambaldi, il creatore di King Kong (1976), E.T. (1982) Alien (1979), per il film di Spielberg creò una serie di pupazzi di E.T.  di diverse dimensioni, ciascuno progettato per specifiche scene. Questi “attori” prendono il nome di animatronics, nipoti degli automati, che prendono in prestito il movimento meccanico a orologeria e lo evolvono, combinandosi con quello della robotica. Altro esempio emblematico si può trovare nella saga di Harry Potter (che, stupirà i lettori, non ha mai vinto un Oscar per gli effetti speciali): il nome Aragog vi dice qualcosa?

Particolarmente interessante è la combinazione di animazione tradizionale e live action esemplificata da Chi ha incastrato Roger Rabbit? (1988). Gli effetti speciali utilizzati sono stati numerosi e complessi. Nel combinare le riprese di attori reali con i disegni animati, è stato girato il film prima agevolando la recitazione degli attori attraverso l’utilizzo di pupazzi, mossi da marionettisti, e poi disegnando frame dopo frame Roger e i suoi amici animati. 

In Italia, canali come Slim Dogs o Mauro Zingarelli si occupano di svelare i retroscena e le peculiarità tecniche dei film e delle serie tv, approfondendo le modalità di realizzazione di scene di kolossal e campioni d’incassi. Ma sono tantissime le pagine che parlano di cinema sui social, come ad esempio Cineatomy o Filmthusiast.

Una nuova fondamentale tappa nell’evoluzione della creatività tecnica nel cinema è rappresentata dall’avvento della CGI: utilizzata largamente negli ultimi anni, soprattutto per la possibilità di contenere i costi, consiste nella creazione di immagini e animazioni utilizzando software al computer. In poche parole, si creano modelli 3D di oggetti, personaggi e ambienti, che vengono poi animati e integrati nelle scene. Non tutti però la amano: registi come Christopher Nolan, ad esempio, cercano di usarla il meno possibile, ricorrendo a tecniche per lo più artigianali.
Attrice principale di questa evoluzione è la Graphics Group (1979), divisione della Lucasfilm - la grande conglomerata sotto cui è presente la già citata Industrial Light & Magic. Acquisita da Steve Jobs (cofondatore della Apple Computer) nel 1986, la Graphics Group divenne la Pixar Animation Studios che conosciamo oggi. Fu infatti proprio la Pixar che diede dimostrazione del più grande esempio di CGI. Dopo Luxo Junior (Luxo Jr.), scritto, diretto e co-prodotto da John Lasseter nel 1986 e candidato agli Oscar come miglior cortometraggio d’animazione, fu Toy Story (1995) il primo lungometraggio realizzato completamente in CGI. L’attenzione posta allo sviluppo dei personaggi, dedicando molto tempo alla creazione di espressioni facciali e movimenti estremamente realistici, fece guadagnare allo stesso Lasseter un Oscar Special Achievement Award (Premio contributi speciali) nel 1996.

La CGI si diffuse sempre di più negli anni, fino a dare forma a un colossal entrato nella storia del cinema: Avatar (2009). Nel film di James Cameron, la CGI affianca la motion capture, una tecnica che prevede l’applicazione di alcuni sensori elettronici al corpo dell’attore per rilevarne i movimenti. Ma non solo, Avatar è il perfetto esempio della tecnica innovativa della Fpr (facial performance replacement), in cui si dà grande rilievo all’espressione facciale degli attori, aumentando il senso di partecipazione e le emozioni degli spettatori durante la visione del film. Una tecnica che rende spettacolare anche l'interpretazione di esseri diversi dagli esseri umani, come Smaug, il malvagio, avido, astuto, e temuto drago in Lo Hobbit - La desolazione di Smaug (2013), interpretato da un magistrale Benedict Cumberbatch.

Tuttavia, in un'epoca di riciclo culturale perpetuo, dove remake e reboot dominano il panorama dell'intrattenimento, emerge una riflessione sulla creatività narrativa contemporanea, che non riesce a stare al passo ad una creatività tecnica e operativa sempre più avanzata. Il 2024 ha visto uno storytelling sempre più standardizzato, con trame che ricalcano formule collaudate e interpretazioni estremamente semplicistiche del Viaggio dell'Eroe di Vogler.
La classifica dei maggiori incassi cinematografici di fine 2024 racconta una storia eloquente: la top 10 è occupata quasi esclusivamente da remake e reboot, prequel e sequel, prodotti delle major che cavalcano l'onda di saghe già affermate. Questi blockbuster, spesso nelle mani di pochi colossi produttivi di Hollywood, si caratterizzano per sceneggiature che strizzano l'occhio alla cultura pop e per un massiccio impiego di effetti visivi. Inoltre, l'anno appena concluso ha consacrato i film d'animazione come indiscussi protagonisti del grande schermo.

Tuttavia, se si sposta lo sguardo verso le piattaforme streaming, il panorama si diversifica. Secondo l'analisi di Just Watch, - che ha monitorato le preferenze su oltre 79 servizi come Netflix, Prime e Disney+ - accanto a successi commerciali come Inside Out 2 (2024) emergono opere più profonde e riflessive come Perfect Days (2023) e nel frattempo si affermano piattaforme come MUBI, trasposizione digitale delle poche sale cinema che ancora ripropongono film d’autore per appassionati e cinefili.

Questa divergenza solleva domande interessanti: perché il pubblico delle sale preferisce di norma prodotti “sicuri” mentre quello dello streaming sembra più aperto alla sperimentazione? Perché vengono riproposti sempre gli stessi personaggi e le stesse storie nel grande panorama di programmazione? E perchè questi ancora attirano il grande pubblico?

Ho coinvolto il team Bea in questa riflessione, esplorando diverse ipotesi: la riproposizione di universi narrativi già conosciuti potrebbe trattarsi di un effetto nostalgia, simile al fascino del vintage, o forse di uno squilibrio tra progresso tecnico e narrativo, dove la ricerca dello stupore visivo ha finito per eclissare la profondità dei contenuti. 

Ma la risposta potrebbe celarsi anche nella sovrabbondanza che caratterizza la nostra era. Come accade con le informazioni e le infinite fonti di intrattenimento, la ridotta soglia d'attenzione contemporanea potrebbe aver favorito la proliferazione di prodotti dal contenuto superficiale e di facile fruizione – come ad esempio Bridgerton (2020 -) o i reality show. Forse quindi siamo di fronte a un pubblico che cerca nei franchise consolidati una rassicurante prevedibilità, storie già conosciute che non richiedono particolare impegno e attenzione. Una contraddizione secondo cui lo stesso pubblico che invoca a gran voce l'originalità finisce per premiare, biglietto dopo biglietto, il confortevole abbraccio di universi narrativi già noti.

Inoltre, da esponente della Generazione Z cresciuta con i classici d'animazione Dreamworks e Disney - il mio film preferito è Anastasia (1997) -, mi sono spesso interrogata sul proliferare dei remake, osservando con una certa perplessità come le versioni originali vengano gradualmente offuscate da reinterpretazioni narrativamente differenti e tecnologicamente avanzate. Una possibile chiave di lettura risiede nel ciclo generazionale: ogni due decenni circa, il ricambio generazionale porta con sé nuovi contesti culturali, spingendo l'industria a riproporre narrazioni consolidate in chiave contemporanea – oltre, naturalmente, a evidenti motivazioni economiche e di continuità narrativa. Ecco perché assistiamo a una nuova serie HBO di Harry Potter (prevista per fine 2026), alla Disney che reinterpreta i classici con i live action, o a film come il Gladiatore II (2024) tecnicamente impeccabile ma narrativamente non all’altezza dall'originale.

Osservando questa tendenza, non posso fare a meno di riflettere su come si stia trasformando il nostro rapporto con le opere originali.

Per le nuove generazioni, l'universo cinematografico prenderà forma attraverso i remake: creazioni visivamente sofisticate che, pur brillando nell'estetica, spesso sacrificano la profondità dei contenuti.

Consapevole però che ogni prodotto culturale necessita di un periodo di "gestazione" - un tempo prezioso in cui vengono assimilati, metabolizzati e integrati nel tessuto sociale, solo alla fine di questo processo invisibile sapremo quali opere emergeranno dal vasto oceano della cultura collettiva per lasciare un'impronta duratura: se resteranno quelle originali o se prevarranno le loro rivisitazioni.

Il linguaggio è uno degli strumenti principali attorno ai quali si costruisce una comunità. È espressione dei suoi valori, strumento di coesione ma anche, purtroppo, di divisione. Per questo è da un suo utilizzo consapevole che occorre partire per abbattere le diseguaglianze e costruire una società giusta e inclusiva

Potere alla parola, un’alleata nella rivoluzione culturale

Il linguaggio è uno degli strumenti principali attorno ai quali si costruisce una comunità. È espressione dei suoi valori, strumento di coesione ma anche, purtroppo, di divisione. Per questo è da un suo utilizzo consapevole che occorre partire per abbattere le diseguaglianze e costruire una società giusta e inclusiva.

Ogni 8 marzo e ogni 25 novembre il mondo della comunicazione si riempie di post, articoli e spot pubblicitari dedicati alla disparità e alla violenza di genere. Ma stiamo davvero usando le parole e le narrazioni giuste per raccontarli? È una domanda che mi pongo spesso. Me lo sono chiesta ancora una volta qualche mese fa, guardando lo spot di Tim “La parità non può aspettare” (2023): immagini potenti, ritmo avvolgente, un messaggio forte e necessario. Eppure, non ho potuto fare a meno di chiedermi se stiamo perpetuando narrazioni stagnanti.

Il dibattito attorno alla disparità di genere è ormai parte integrante della conversazione pubblica. I media tradizionali e social ne parlano, amplificando la sensibilità collettiva, e anche il mondo della comunicazione e della pubblicità si è adeguato a queste crescente attenzione. Ma spesso, la necessità di semplificare per adattarsi ai tempi veloci dei contenuti, appiattisce la complessità del fenomeno. Sensibilizzare è importante, certo, ma dall’altra parte il rischio è quello di trascurare le radici profonde e sistemiche del problema.

Pensiamo ai modi e alle parole con cui, quotidianamente, i media raccontano gli episodi di violenza di genere come i femminicidi. Troppo spesso, ciò che ci viene restituito è una narrazione che descrive questi atti come episodi isolati, legati a squilibri personali o contesti patologici. Il risultato? Si finisce per legittimare il carnefice, seppur indirettamente, mentre la vittima scompare dietro una narrazione che parla di “delitto passionale” o di ossessione amorosa. Questo linguaggio riduce il problema a casi eccezionali, ignorando le radici culturali e sociali che lo generano. Così ogni nuovo episodio rischia di rimanere solo un eco temporaneo, senza trasformarsi mai in potenziale innesco per un reale cambiamento culturale.

Michela Murgia, nel suo libro Stai zitta e altre nove frasi che non vogliamo sentire più (2021), scriveva: «La comunicazione è figlia della società in cui si nasce, ma può mostrarle come essere migliore». In questo, i professionisti della comunicazione e dell’informazione hanno una responsabilità fondamentale: il potere (e il dovere) di usare le parole come strumento per scardinare stereotipi e costruire nuove narrazioni capaci di generare consapevolezza e cambiamento. Le parole plasmano la percezione collettiva e, a lungo termine, influenzano i comportamenti: comunicare in modo responsabile significa contribuire a sensibilizzare, resistere alla tentazione di semplificare la complessità in nome della velocità, del clickbaiting.

Il linguaggio giornalistico è spesso attraversato da meccanismi che, più o meno consapevolmente, raccontano e rafforzano disparità profonde. Vera Gheno, sociolinguista, esplora questo tema nel suo podcast “Amare Parole”, realizzato in collaborazione con il Post. In particolare, nell'episodio del 24 settembre 2023, intitolato "Asimmetrie linguistiche nei titoli di giornale" analizza come il linguaggio quotidiano del giornalismo possa nascondere forme di discriminazione, specialmente nella titolistica per un’esigenza legata alla sintesi. Gheno distingue tra sessismo “malevolo”, facilmente riconoscibile, e “benevolo”, più radicato e insidioso, proprio perché si traveste da valorizzazione. Il progetto Instagram ”'La Donna a Caso”, creato da Valentina Falco nel 2020, nasce proprio per evidenziare queste narrazioni distorte. Nella bio, scrive: “Sono io quella lì. Ogni tanto vinco il Nobel, vado nello spazio, sono a capo della BCE, sono ministra della Repubblica”.

Tra le pratiche più comuni, c'è l'uso dell'articolo determinativo davanti ai cognomi femminili, spesso omesso per gli uomini, o la tendenza a presentare le donne attraverso i loro ruoli familiari anziché come individui autonomi. Non è raro che i loro nomi vengano sostituiti con espressioni come “una donna”, o che si faccia riferimento a loro solo con il nome proprio, sminuendone l’importanza e il ruolo. Un esempio? “Bravissima Elza, sua la ricerca che ricicla le batterie” riferito a Elza Bontempi, professoressa dell’Università di Brescia e ricercatrice internazionale di spicco. L'uso del solo nome di battesimo ha un effetto paternalistico, che sminuisce il ruolo professionale.

Ancora, espressioni come “si tinge di rosa” alimentano la percezione della presenza femminile come eccezione e straordinaria, anziché normalità: “una donna contro sei uomini per la presidenza dello sport Olimpico”, dove la persona in questione è Kirsty Coventry, Ministra della gioventù, dello sport, dell'arte e del tempo libero dello Zimbabwe. Se da un lato segnalare un traguardo può sembrare importante, dall'altro perpetua la narrativa che vede la presenza femminile come qualcosa di raro e, quindi, maggiormente degno di nota. In questo filone rientra il racconto delle figure eroiche come quello delle “mamme coraggio” che enfatizzano l’eccezionalità e difficoltà ma faticano a riconoscere e valorizzare i meriti delle donne nella vita di tutti i giorni.

Queste parole e schemi narrativi, se analizzati nel loro insieme, rivelano un quadro problematico: raccontano una differenza di status che, anziché essere superata, viene continuamente rinforzata dal linguaggio mediatico.

Sempre in Stai zitta, (2021) Michela Murgia parla di una “tragedia semantica”, in cui troppo spesso sottovalutiamo il potere delle parole per definire fatti e fenomeni, e per trasformare la realtà. Questo porta a una tragedia etica, perché sbagliare un nome non significa solo non riconoscere qualcosa, ma anche mancare di rispetto al suo vero significato. Nominando la realtà in un certo modo, abitiamo proprio quella stessa realtà e le diamo forma: è il linguaggio che ci definisce, ci guida, ci plasma. 

Questa consapevolezza è una responsabilità collettiva, ma ancora di più per chi lavora nella comunicazione. Scegliere con cura le parole e come le accostiamo non è solo un atto individuale, ma un impegno collettivo che ci invita a usare il linguaggio come alleato nelle rivoluzioni culturali. 

Le parole non sono solo strumenti di descrizione ma anche di trasformazione: scardinano stereotipi, danno voce, generano immaginari. Usarle consapevolmente significa contribuire a cambiare le narrazioni che modellano il nostro pensiero e la nostra società. Così il linguaggio diventa il primo e più potente strumento per decostruire, gradualmente, le disuguaglianze, costruendo narrazioni che non solo raccontano, ma anche rispettano e restituiscono valore alla complessità.

Il positive journalism: quando le buone notizie creano valore

Viviamo in un mondo dove il ciclo mediatico è dominato da notizie spesso negative, che generano ansia, paura e senso di impotenza. In questo contesto, il positive journalism, o giornalismo costruttivo, si è imposto come un antidoto al cosiddetto doomscrolling — la tendenza a consumare compulsivamente notizie negative. Ma di cosa si tratta esattamente e perché è rilevante per chi si occupa di comunicazione e creatività digitale? 

Il positive journalism è un approccio che punta a raccontare il mondo in modo equilibrato, dando spazio non solo ai problemi ma anche alle soluzioni, ai progressi e alle storie che ispirano potenziali cambiamenti. Non si tratta di ignorare le sfide o di edulcorare la realtà, ma di offrire una visione costruttiva che promuova speranza e resilienza.

Questo tipo di narrazione ha dimostrato di avere un impatto positivo sul pubblico, stimolando emozioni come la gratitudine e la motivazione. Ad esempio, uno studio del Solutions Journalism Network ha rilevato che i contenuti che evidenziano soluzioni pratiche ai problemi attirano maggiore attenzione, aumentano l'engagement del pubblico e rafforzano la percezione del proprio potenziale di azione. Inoltre, secondo uno studio della University of Pennsylvania, al contrario di quanto si potrebbe normalmente pensare le storie positive hanno il 34% di probabilità in più di essere condivise sui social media rispetto a quelle negative.

Dal giornalismo positivo ai festival: esempi di successo

Il giornalismo positivo trova sempre più spazio in diverse testate, piattaforme digitali e iniziative che hanno saputo coglierne il potenziale. Una delle prime realtà a emergere in questo ambito è il Good News Network, sito che si dedica esclusivamente alla diffusione di notizie positive, coprendo temi che spaziano dall'innovazione tecnologica alla solidarietà umana. Anche testate tradizionali si sono adattate a questo approccio: il Guardian, tra gli altri, con la sezione "The Upside" esplora storie di progresso e soluzioni innovative da tutto il mondo. Un altro esempio significativo è Positive News, una testata indipendente che si concentra su storie di cambiamento positivo, ponendo particolare attenzione alla sostenibilità e all'impatto sociale.

In Italia un caso virtuoso è il Festival delle Buone Notizie di Bergamo, il primo live show di good news italiano. La prima edizione di questo evento, svoltasi nel 2023, ha accolto circa 500 partecipanti, principalmente giovani tra i 16 e i 35 anni. Con un format che prevede interventi brevi e dinamici, il festival ha ospitato speaker di rilievo, tra cui giornalisti, scienziati, psicologi e attivisti, con l'obiettivo di ispirare e diffondere ottimismo. La seconda edizione, tenutasi nel 2024, ha ampliato il numero di partecipanti e coinvolto esperti come Cathy La Torre, avvocata e attivista per i diritti civili e Gianni Canova, rettore dell'Università IULM e critico cinematografico, affrontando temi che spaziano dal lavoro al cambiamento climatico, fino al cinema e al gaming. Questo evento rappresenta un punto di riferimento per le nuove generazioni, creando uno spazio di condivisione e riflessione su come le buone notizie possano influenzare positivamente il futuro. La necessità di buone notizie ha un impatto particolare sui giovani, poiché questa fascia di popolazione si trova spesso a dover affrontare un carico emotivo e informativo maggiore rispetto alle generazioni precedenti. L'esposizione costante a contenuti negativi, amplificata dall'uso intensivo dei social media, può generare ansia, stress e un senso di impotenza. Secondo uno studio della American Psychological Association, il 91% della Generazione Z dichiara di aver subito almeno un episodio di stress significativo nell'ultimo anno, spesso legato a eventi globali come il cambiamento climatico, conflitti internazionali o crisi economiche.

Le buone notizie offrono ai giovani una via di fuga da questa spirale negativa, aiutandoli a coltivare speranza e a vedere opportunità di cambiamento. Raccontare storie positive, che evidenziano soluzioni pratiche e risultati concreti, ispira questa generazione a credere nel proprio potenziale e a partecipare attivamente alla costruzione di un futuro migliore, non più visto con i toni cupi e bui frutto del doomscrolling.

Formati creativi per comunicare le Buone Notizie

Parliamo ora di formati. Il giornalismo positivo non si limita infatti alla realizzazione di contenuti nel formato tradizionale dell'articolo classico, ma abbraccia una varietà di media che ne amplificano l'efficacia e l'impatto. I video emozionali, ad esempio, sono uno strumento particolarmente potente: raccontare storie attraverso brevi clip coinvolgenti permette di raggiungere un pubblico ampio e generare connessioni immediate. Un esempio è il format Humankind di USA Today, che celebra atti di gentilezza e altruismo. Anche le newsletter tematiche stanno guadagnando popolarità, come quella del New York Times, "The Good News Issue", pensata per offrire un momento di positività ai lettori direttamente nella loro casella di posta.

Il formato podcast rappresenta un'altra modalità vincente di approfondimento per quanto riguarda le storie costruttive: il progetto The Bright Side, ad esempio, crea narrazioni ingaggianti che stimolano riflessioni su temi di attualità. Infine, anche le infografiche giocano un ruolo chiave nel visualizzare progressi e dati positivi in modo chiaro ed efficace. Catturando l'attenzione soprattutto sui social media. Questi formati dimostrano come il positive journalism possa essere declinato e approfondito con modalità diverse, ognuna capace di coinvolgere il pubblico in modo autentico e innovativo, ma la domanda che continuiamo a porci rimane questa. 

“Perché il Positive Journalism funziona?”

Il successo del positive journalism si basa su alcune dinamiche fondamentali che ne spiegano il successo. Una di queste è la capacità di contrastare la saturazione emotiva: il pubblico, sempre più stanco di essere bombardato da negatività e notizie nefaste, tende a cercare contenuti che offrano una prospettiva migliore e che generino emozioni positive. Un altro elemento cruciale è la costruzione di fiducia, poiché una narrazione bilanciata contribuisce a rafforzare il rapporto tra i media e il proprio pubblico, alimentando un dialogo più costruttivo. Infine, le storie positive stimolano all’azione, ispirano le persone e le spingono a partecipare al cambiamento, sia sostenendo cause importanti, sia adottando comportamenti virtuosi capaci di fare la differenza.

Come Applicarlo alla Comunicazione Creativa?

Per le agenzie creative, integrare il positive journalism nelle proprie strategie può aprire nuove opportunità di engagement. Raccontare storie di impatto sociale o ambientale in linea con i valori di un brand è uno strumento utile per creare connessioni autentiche con il pubblico. Allo stesso modo, progettare campagne sui social media che mettano in evidenza notizie positive può stimolare interazioni significative, diffondendo ottimismo. Anche l’organizzazione di eventi digitali, come webinar o live talk su temi costruttivi, può essere una modalità impattante, un modo efficace per coinvolgere esperti, influencer e comunità, promuovendo al contempo una cultura della positività e della partecipazione.

Il positive journalism sembra essere molto più di una semplice moda quanto, piuttosto, una risposta concreta a un bisogno reale del pubblico di riferimento. Per chi lavora nel campo della comunicazione e della creatività, rappresenta un'opportunità non solo per differenziarsi e distinguersi, ma per contribuire a un dibattito pubblico più sano e costruttivo.

In un mondo dove ogni click conta, perché non fare in modo che conti per qualcosa di buono?

Fermarsi, osservare, farsi delle domande. Arti di cui spesso dimentichiamo il valore, ma che, in fondo, rappresentano il fine ultimo della nostra esistenza. Da Ulisse a Wim Wenders, un viaggio tra chi, in modo diverso, ha raccontato il ruolo determinante che la meraviglia ricopre nelle nostre vite

Se muore la velocità, si salvi la meraviglia!

Fermarsi, osservare, farsi delle domande. Arti di cui spesso dimentichiamo il valore, ma che, in fondo, rappresentano il fine ultimo della nostra esistenza. 

Da Ulisse a Wim Wenders, un viaggio tra chi, in modo diverso, ha raccontato il ruolo determinante che la meraviglia ricopre nelle nostre vite.

Cosa succede quando ci fermiamo e osserviamo la realtà con stupore? E che cosa significa meravigliarsi? Leggendo “Resisti, cuore. L’Odissea e l’arte di essere mortali”, il libro di Alessandro D’Avenia, mi ha catturata un capitolo dedicato proprio a questo tema. In un mondo che gira a velocità stratosferiche e nel quale siamo costantemente bombardati da stimoli e informazioni differenti forse, talvolta, vale la pena fermarsi, o anche solo rallentare. Si tratta di un atteggiamento che ci permette di osservare, di scegliere come agire, di sbagliare, di evolvere… di meravigliarci.

Nel libro, D’Avenia sostiene di voler esercitare un modo di essere e guardare il mondo chiamato filomitia, ovvero «un’arte di vivere che consente di non perdere la meraviglia, un’iniziazione continua alla vita, una cura per guarire la mente dal suo continuo vagabondare fuori dalla realtà». L’autore mette in pratica questo percorso attraverso la scrittura. 

Stiamo parlando di un concetto che ha attraversato decenni di filosofia; ne parlava Aristotele in apertura della Metafisica: «Gli esseri umani hanno cominciato a filosofare, ora come in origine, a causa della meraviglia» (Metafisica, A, 2, 982b, trad. it. di Giovanni Reale). Secondo il filosofo, la meraviglia non è un’emozione rassicurante, ma una sfida al rischio che comporta uscire da sé, alla ricerca del respiro autonomo e sempre più profondo. Anche Platone si collocava nello stesso filone di pensiero: «L’essere pieno di meraviglia è proprio del filosofo. Sì, il principio della filosofia non è altro che questo, e chi ha detto che Iride è figlia di Taumante [“thaumazein” = meravigliarsi] non mi pare abbia sbagliato genealogia» (Platone, Teeteto, 155d).

Tornando ai giorni nostri, per D’Avenia, «se la filosofia è l’amore per la sapienza, la filomitia è l’amore per il racconto (inteso come trama della vita)». Nel libro si occupa della meraviglia del racconto odissiaco, che secondo lui costringe a fermarsi, ad ascoltare e a cercare. «Questo tipo di meraviglia è come la vertigine: ci porta a uscire da noi stessi, a vivere non più per abitudine, ma per inquietudine».

Il viaggio di Ulisse verso la riscoperta di sé 

Ulisse, nel suo viaggio, affronta innumerevoli sfide e avventure, di felicità ma anche di dolore, che lo portano a fiorire, a essere quello che è: a ritrovare se stesso. Il racconto odissiaco, secondo D’Avenia, è una metafora della nostra vita che scorre, è una narrazione nella quale, in qualche misura, ci identifichiamo. Senza storie l’essere umano non riesce ad abitare il tempo e a dargli un senso, perché è un essere narrativo che rivive il passato raccontandoselo e modificandolo, si prepara al futuro narrandoselo in anticipo con tutte le sue possibili varianti e sta nel presente come materia prima di tutti i suoi racconti. Cerchiamo ovunque storie, ogni giorno e in ogni forma possibile. E nelle storie troviamo la nostra meraviglia. Allora perché la cerchiamo nel mito?

Riprendiamo il discorso dalla definizione di D’Avenia: «La meraviglia da un lato è la percezione di una novità che si impone improvvisamente e a cui non ci si può sottrarre; dall’altro è la paralisi di ogni attività in favore di un momento di contemplazione». Questa contemplazione si può tradurre in un fermarsi, osservare, farsi domande.

Aristotele nella Metafisica sostiene che chi mette in dubbio e pratica la meraviglia riconosce di non sapere (per questo, la filosofia nasce perché si mettono in discussione gli assunti che prima erano dati per certi). E il mito è costituito da un insieme di avvenimenti che destano questa condizione. Ciò non significa che siano situazioni belle o piacevoli, ma che in un certo modo hanno un significato e portano il protagonista verso una meta, aggiungendo valore alla sua crescita. Così accade a Ulisse: fa esperienza di sé a livello profondo e così facendo riconosce il proprio destino.

Oggi, immersi nella velocità, spesso siamo portati a pensare che fare esperienza significhi provare tante cose all’infinito, per migliorarci sempre di più. Esperienza, in realtà, non è accumulare un’infinità di vissuti come fossero esperimenti, ma riconoscersi in un vissuto e fiorire grazie a quel vissuto, fosse anche solo uno. 

Come scrivono Maura Gancitano e Andrea Colamedici, due filosofi contemporanei che divulgano la filosofia in relazione all’attualità con Tlon, nel libro Lezioni di meraviglia, «il miracoloso si manifesta solo in uno spazio in cui è possibile sbagliare e non ha niente a che fare con l’efficacia, non conferma il mondo ordinario e non è un processo di normalizzazione. [...] Il fatto è che noi associamo l’infelicità alla vuotezza, e non riusciamo a capire che una vita felice è una vita in cui è presente anche l’infelicità».

Uscendo per un momento dal libro in sé e riflettendo sul tema, si può osservare come questo tocchi probabilmente degli aspetti presenti anche nella nostra società, portati a galla, per esempio, attraverso i film. A questo proposito, mi viene in mente il recente film Perfect Days (2024) di Wim Wenders: Hirayama vive da solo e conduce un’esistenza semplice e silenziosa, caratterizzata da una ripetitività a tratti ossessiva delle attività quotidiane. Sembra il ritratto della solitudine di un uomo che ha fatto pace con i propri errori e accettato così la propria esistenza. Questo equilibrio trova la sua epifania nella scena finale, accompagnata dalla suggestiva colonna sonora Feeling Good di Nina Simone.

Appare come la parabola di un’esistenza in slow motion, un invito a sperimentare la tanto desiderata “vita lenta”. Una vita in cui non si rinuncia a provare e sbagliare, ma nella quale ci si concede il tempo per riflettere. Dopotutto non è trovare un significato in ciò che facciamo il motore che ci spinge ad andare avanti? E non è proprio il farsi delle domande, mettere in dubbio, ciò che ci fa sentire vivi e in movimento?

Raccontare e costruire una storia significa anche questo: intercettare quale sia il percorso più adatto da intraprendere, a volte fermandosi e lasciandosi attraversare dal dubbio. Avere più domande che risposte è spesso sfidante, ma porsi nella condizione di non sapere significa anche osservare, indagare, conoscere, sperimentare. E scoprire l’ignoto. Proprio come Ulisse fa nel suo viaggio e proprio come D’Avenia affronta il racconto. Così si legge in Lezioni di meraviglia: «Il dubbio è l’anticamera della trasformazione: accogliere il dubbio come compagno di viaggio significa disporsi a essere completamente diversi da un istante all’altro». Questo significa, a volte, rallentare. Non ci perderemo nulla, ma magari scopriremo qualcosa di inaspettato che non vedevamo correndo. Qualcosa di meraviglioso.

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Luca Cena ha ereditato dai genitori la passione per la libreria antiquaria, con grande maestria è riuscito a creare una comunità di appassionati tra scambio di informazioni e viralità dei social. La storia di un libraio che trasforma il racconto dei libri in una missione culturale globale.

Ci sono talenti che si costruiscono con l'esercizio, la dedizione, lo studio. E poi ci sono quelli che sembrano crescere insieme a noi, già presenti, già nostri, come se fossero parte del nostro DNA, frutto dell’aria che abbiamo respirato da piccoli. Ereditiamo spesso non solo i tratti somatici o gli occhi di un genitore, ma anche una passione, un mestiere, una forma d’amore. Non sempre si tratta di seguire le orme di qualcuno. Più spesso si tratta di riconoscere, a un certo punto, che quelle orme sono anche le nostre. 

Luca Cena, libraio antiquario e divulgatore culturale, è uno di quei casi in cui la passione di famiglia non solo si trasmette, ma si trasforma in una missione. La sua storia personale si intreccia con quella dei libri antichi – e non in modo simbolico. I suoi genitori erano librai antiquari. La sua infanzia è stata costellata da scaffali pieni di volumi misteriosi, da giorni pieni di storie. Quella che poteva sembrare una semplice consuetudine è diventata, con il tempo, una vera e propria vocazione trasformata oggi in White Lands Rare Books.

«Credo che le passioni si ricevano. Nel mio caso è stato proprio così. Il contesto familiare è stato fondamentale, ma a farmi innamorare davvero dei libri sono stati i collezionisti. Quelle persone che ti parlano con occhi accesi, con entusiasmo sincero. Quando ti raccontano cosa amano, ti contagiano».

In Luca la passione per i libri antichi non è stata solo assorbita, ma anche rielaborata. Il suo è un progetto di divulgazione che racconta il mondo del libro raro sui social, trasformando TikTok, Instagram e YouTube in strumenti per avvicinare migliaia di persone ad un universo che sembrava riservato a pochi. Un paradosso apparentemente: usare i linguaggi veloci e iper visivi dei social per parlare di oggetti che per natura sfuggono alla fretta, creatori di lentezza e di un tempo fatto di calma e attenzione. Ma è proprio in quel paradosso che sta la chiave. Luca non semplifica, non svende, non "viralizza" a ogni costo. Racconta. E chi vuole segue i suoi racconti. «Io non insegno, non faccio divulgazione accademica. Lascio briciole. Cerco e spero di accendere una curiosità, poi sta a chi mi segue decidere se raccoglierla o meno».

I social diventano un ecosistema narrativo: Instagram è la vetrina estetica, TikTok la rete di primo contatto, YouTube l’archivio dove i contenuti si fanno più lunghi, più profondi, più stabili. Il tutto costruito attorno a un’idea semplice e radicale: il libro antico può ancora emozionare, stupire, parlare. Basta saperlo ascoltare. E raccontare. «Io non ho inventato nulla. La fortuna che ho è quella di lavorare con oggetti che hanno una bellezza e una storia già dentro di sé. Io cerco solo di farle emergere». 

L'estetica è una componente fondamentale nel lavoro di Luca Cena, ma non sempre è l'aspetto predominante. La sua passione per le cose belle e ben fatte permea i contenuti che crea. «Nei miei contenuti, l'estetica gioca due ruoli: il primo è quello dell'ambientazione, una biblioteca antica che dà un contesto unico; il secondo è legato ai libri stessi: quando un libro è esteticamente interessante, è più facile raccontarlo. Ma anche quando un libro non ha una forte valenza estetica, il contenuto rimane centrale».

Quello che Luca porta avanti è un racconto che nasce dall’esigenza e dalla voglia di creare e far rinascere una curiosità assopita, ricostruire una domanda, un interesse prima ancora di un mercato di riferimento: «Ho dovuto ricominciare veramente dalle basi, non potevo essere un mero distributore di merce. Certo, avessi avuto un negozio di scarpe avrei convertito più facilmente, ma essendo nel campo del collezionismo avevo bisogno di ricreare un certo coinvolgimento intorno a ciò con cui lavoro. Mai ovviamente avrei immaginato che ci sarebbe stata una risonanza, un interesse così ampio». 

«Io non insegno, non faccio divulgazione accademica. Lascio briciole. Cerco di accendere una curiosità, poi sta a chi mi segue decidere se raccoglierla o meno».

Nei suoi video non c'è nessuna call to action, nessun link di acquisto. Il modello non è quello della conversione rapida, ma della fascinazione lenta. Luca è consapevole del fatto che è una scelta difficile, quasi eroica, in un mercato che spinge a monetizzare tutto e subito. Ma è anche l’unica scelta possibile se l’obiettivo non è vendere un libro, ma farlo amare. Far apprezzare la bellezza. Questa autenticità è ciò che tiene vivo il progetto, perché Luca e Whitelands sono la stessa cosa. Non c'è divisione tra persona e professione, tra vita e contenuto. Ogni video, ogni post, è il riflesso di un lavoro fatto di studio, ricerca, cura e passione. Una passione sincera e di lungo corso, che Luca ha avuto la fortuna e la bravura di trasformare nel suo mestiere: «Molti mi dicono che dovrei comunicare di più me stesso, cioè Luca Cena, io invece penso che sia più interessante legarmi a questa realtà che è fisica, che è esistente, quindi accessibile». L’unico motivo per aprire a un coinvolgimento personale maggiore sarebbero le richieste esplicite di qualche brand ma, come dice «non ho quell'esigenza lì e, soprattutto, i brand con cui ho collaborato erano ben contenti di inserirsi in un contesto più divulgativo e meno da creator classico».

I libri selezionati non sono per forza i più rari o i più preziosi, ma quelli che sanno raccontare qualcosa, che sappiano sorprendere. «Io scelgo libri che incuriosiscono l'essere umano. Non mi importa che siano rarissimi, mi importa che le persone si stupiscano ascoltando la loro storia». Capita spesso di sorprendere gli utenti. Spesso sono proprio i più giovani a venire attratti da cose solo apparentemente scontate.

«Quando racconto che un libro è stato stampato nel millecinquecento, alcuni cadono letteralmente dal pero. Devi poi saperlo raccontare, altrimenti rischi di perdere l’unicità della cosa. Sui social capita che alle volte acquisti valore qualcosa di banale ma ben raccontata e che al contrario non si riesca a far venire fuori la bellezza e la profondità di qualcosa che invece ha grande valore». È il gioco strano dei social, un mezzo che lo ha aiutato a mostrare semplicemente ciò che Luca è quotidianamente: «I miei contenuti sono già presenti, esistono già. Io ho una grande fortuna rispetto ad altri creator: i miei contenuti sono qua, a fianco a me. Certo devo selezionarli, mostrarli, esporli e interpretarli, ma ci sono. Le storie sono già al mio fianco, è grazie alla loro bellezza che io riesco a raccontare con facilità». 

Il successo è arrivato quasi per caso. Con un video caricato su TikTok nel mezzo di un periodo difficile per il mercato dell’antiquariato. Da lì, la crescita. Ma anche la consapevolezza che quel successo non avrebbe avuto senso se non fosse stato condiviso, moltiplicato nel tempo. Per questo Luca sogna un’Italia dove non sia l’unico a raccontare i libri antichi online. «Mi dicono: sei l'unico che fa questa cosa. Quasi come fosse un vantaggio, ma io vorrei che ce ne fossero altri dieci a fare lo stesso. Solo così si crea un vero interesse, un mercato, una cultura. Se sei completamente da solo è più complesso cambiare veramente le cose». Un’apertura preziosa verso l’altro, un modo per rafforzare l’idea che un mercato non si cambia da soli ma anche un modo per ricambiare la passione che gli è stata trasmessa da giovane da altri collezionisti che hanno alimentato la sua fiamma, perché dice: «Raccontare la propria passione inevitabilmente accende nell'altro un qualcosa. E io grazie a molti di loro ho capito come approcciare in modo genuino e libero a questo amore che avevo per i libri. Credo siano le persone, di base, a trasmetterci la passione per la scoperta». Un’idea emozionante, antitetica rispetto alla logica del "personal brand" ma coerente con la visione di chi mette al centro non se stesso, ma l’oggetto che racconta. 

«Io scelgo libri che incuriosiscono l'essere umano. Non mi importa che siano rarissimi, mi importa che le persone si stupiscano ascoltando la loro storia».

È un passaggio che si lega molto al concetto di comunità, una comunità che cresce solo se cresce il numero delle voci che la raccontano. Anche le aziende hanno iniziato ad accorgersi del potenziale di questo approccio. Alcune – come Netflix, Universal o Fincantieri – hanno coinvolto Luca in progetti editoriali, chiedendogli di fare ciò che gli riesce meglio: partire da un libro per raccontare un prodotto, un valore, una storia. Non è pubblicità. È storytelling culturale. «Ogni oggetto ha una radice culturale, una storia che si può svelare attraverso i libri. La sfida è trovare un ponte, un terreno comune tra mondi lontani». 

I social media, infatti, offrono una varietà di spazi in cui inserirsi, ciascuno con il suo ritmo e le sue peculiarità. Instagram, ad esempio, per Luca è lo strumento ideale per le "pillole di curiosità", quei contenuti rapidi che catturano l'attenzione immediata. È un social che funziona come una sorta di trampolino di lancio. Come dice Luca «Instagram è una rete che poi, naturalmente e istintivamente, seleziona chi ha voglia di fare il passaggio successivo». Questo passaggio, per lui, è l’approdo su YouTube, dove Luca ha la possibilità di esprimersi in modo più approfondito. «Su YouTube, il racconto diventa "più cristallizzato", maggiormente didattico, e assume la forma di un vero e proprio archivio, una biblioteca capace di sopravvivere nel tempo, un luogo in cui puoi andare a trovare storie anche dopo anni. Le persone chiedono, vogliono informarsi, approfondire», spiega sottolineando la differenza con altri social dove i contenuti scompaiono rapidamente. 

Altri social come TikTok, ad esempio,  rappresentano una rete enorme che raggiunge milioni di persone, ma dove l’engagement rimane spesso ridotto. «L'algoritmo premia contenuti originali, ma la vera conversione avviene quando il pubblico si sposta su altre piattaforme. A me comunque piace perché i giovani su TikTok, pur abituati a contenuti di bassa qualità, si appassionano facilmente a ciò che è più interessante e ben fatto». Una sorta di circolo virtuoso che inizia su TikTok, passa a Instagram e poi arriva a YouTube, dove può raccontare storie più dettagliate.

 Nonostante tutto avvenga online, Luca non dimentica il valore del contatto fisico. La libreria – per lui – resta un presidio umano. Un luogo dove si cerca, si scopre, ci si confronta. Non serve più a ottenere, ma a vivere. 

«Oggi l'esperienza fisica non serve più a ottenere, ma a vivere. In libreria ci si ispira, si scambiano idee, ci si riconosce. È questo che dobbiamo difendere». Il futuro? Per alcuni coincide con i numeri. Per Luca, con la profondità. YouTube, per esempio, è il suo spazio preferito: archivio, biblioteca digitale, contenitore dove dare tempo alle storie. È lì che pubblica i format più lunghi, le analisi più articolate, le guide. A breve lancerà una nuova serie, con materiali scaricabili per chi vuole approfondire. 

«Quando qualcuno mi scrive: ho passato tutta la sera a guardare i tuoi video, capisco che quello è il mio posto. Perché anche io faccio così quando trovo qualcosa che mi appassiona». Nel frattempo, la sua libreria resta un laboratorio, uno studio, una bottega di idee. Ogni giorno arrivano nuovi volumi, nuove storie, nuove domande. Quando gli si chiede cosa avrebbe fatto se non fosse nato in una famiglia di librai, sorride. «Sicuramente qualcosa di manuale, forse il pescatore. Mi piaceva tantissimo quando ero piccolo». In fondo è proprio così: certi mestieri, certe passioni, non si imparano, sono frutto di una scintilla, di qualcosa di profondo che ci muove dall’interno. Spesso però si ereditano, anche quando sembrano arrivare da un'altra vita.

Nel suo podcast, “New York orizzontale”, la giornalista Francesca Berardi racconta come esistano due dimensioni diverse della stessa metropoli, due New York, che si discriminano tra loro senza mai davvero incontrarsi: quella verticale, simbolo di ricchezza e potere, fatta di grattacieli e lussi, e quella orizzontale, che si sviluppa lungo i marciapiedi, dove si intrecciano storie di povertà e lotta quotidiana. Ma è necessario attraversare l’Atlantico per trovare questo contrasto o basta rimanere in Italia?

Dai rooftop ai bassifondi: come discriminano le città

Tre anni fa ho deciso di lasciare il mio piccolo paese di origine: una scelta, tra l’altro, che non è stata presa a cuor leggero. A dire il vero non me ne sarei mai andato se non per la ricerca di prospettive lavorative migliori rispetto a quelle che avevo. Da quel momento ho cambiato già due città, prima Torino e ora Milano, due metropoli rispetto a quanto ero abituato. La prima elegante, quasi austera con quel profumo underground che ricorda le capitali del Nord Europa, adagiata tra il Po e le Alpi, ho sempre pensato che un po’ si camuffasse come se non volesse svelare la sua vera identità. La seconda veloce e rumorosa, con click di valigette che si chiudono e tacchi a spillo che corrono sulle scale mobili per raggiungere la metro. Milano ha il profumo dei soldi, di notti insonni, di party esclusivi, di trasgressione, di competizione ma anche di occasioni da prendere al volo.  

In entrambe le città, ogni quartiere racconta una storia diversa. A Torino, ad esempio, basta allontanarsi dal centro per scoprire angoli dimenticati, dove l'eleganza della città sembra svanire, sostituita da palazzi vecchi e angusti. La sensazione è che ci sia sempre qualcosa che non torna, una sfumatura che non si riesce a cogliere in pieno. È come se la città, pur nella sua bellezza, fosse intrinsecamente divisa tra chi può permettersi di vivere la sua parte più splendida e chi, invece, deve arrangiarsi nei suoi margini.

Milano, da parte sua, amplifica questa dicotomia in modo esponenziale. La metropoli del business, dei grattacieli luccicanti e degli eventi mondani, ha un cuore pulsante che batte in modo quasi impietoso. Le zone più centrali, brulicanti di turisti e professionisti, sembrano vivere di un’energia che non conosce pausa. Ma se ci si sposta un po’, si scoprono quartieri che non sono riusciti a tenere il passo con il progresso. Le periferie, spesso dimenticate dal miraggio delle vetrine di Corso Vittorio Emanuele, raccontano una realtà che ha il sapore amaro della difficoltà. Qui, le case fatiscenti, i muri scrostati e le strade poco curate sembrano ribellarsi all’idea di una città che, in superficie, ha tutto per sembrare perfetta.

Eppure, è proprio in queste aree che si percepisce la vera essenza della città, quella che non ha paura di mostrare le sue cicatrici. Le periferie sono luoghi dove, paradossalmente, si concentrano le storie più autentiche, quelle che non hanno bisogno di essere addolcite da un filtro commerciale. Qui non si parla di storie da red carpet, ma di esperienze di vita quotidiana, di speranze che non sempre riescono a tradursi in realtà.

La discriminazione che si annida tra un quartiere e l’altro non è solo economica, ma anche culturale. Le città hanno il potere di creare e alimentare divisioni invisibili, rendendo difficile per chi vive ai margini farsi sentire o farsi vedere. La cultura dominante, quella che Milano celebra, premia chi sa muoversi rapidamente e con stile, chi riesce a fare della propria immagine una dichiarazione di successo. Ma cosa succede a chi non riesce a stare al passo? A chi preferisce una vita più semplice o non ha le stesse risorse per entrare nel gioco?

C'è chi si interroga su come superare queste disuguaglianze, su come dare a chi vive ai margini delle città non solo l'opportunità di un lavoro, ma anche quella di esprimere la propria dignità e di sentirsi parte di una comunità che li riconosce. Le disuguaglianze non sono soltanto un fatto di numeri, di redditi o di quartieri, ma anche una questione di percezione, di valore e di visibilità. Numeri, che, tra l’altro, parlano da soli.

Sia a Torino sia a Milano, sono molte le iniziative sociali e culturali che cercano di abbattere le barriere tra il centro e la periferia, mettendo al centro della discussione temi come la giustizia sociale, l'inclusione e la redistribuzione delle risorse. Ma la strada da percorrere è ancora lunga. Progetti di rigenerazione urbana, che partono dalla valorizzazione dei quartieri più poveri, cercano di riattivare spazi vuoti, di dare nuova vita agli edifici abbandonati, trasformandoli in centri di aggregazione, biblioteche, scuole o laboratori di produzione. Iniziative che non sono solo un modo per "abbellire" un'area, ma per restituirle la sua anima, per ridare a chi vive lì la possibilità di essere parte di un cambiamento concreto. Esempi possono essere Mosso in via Padova a Milano, progetto nato proprio per riqualificare la zona, o l’Orto urbano del boschetto a Torino nord.

Non mancano, tuttavia, le difficoltà. Molto spesso, questi progetti si trovano a fare i conti con il crescente processo di gentrificazione, che rischia di spazzare via le comunità locali, sostituendo la povertà con il benessere dei più benestanti. Le periferie, purtroppo, non sono solo vittime di una separazione fisica dai centri cittadini, ma di un isolamento sociale che sembra inevitabile, che porta a una crescente disillusione. Come superare questa distanza invisibile che separa chi vive nel lusso da chi lotta ogni giorno per arrivare a fine mese? La risposta non è semplice.

Bisogna partire dalla consapevolezza collettiva: ognuno di noi, in un modo o nell'altro, contribuisce a questa divisione, anche quando sembra di non averne consapevolezza. Le scelte quotidiane, i consumi, le azioni politiche, la cultura che consumiamo: ogni singolo atto può perpetuare la divisione o, al contrario, contribuire a ridurla. Eppure, non basta solo il buon intento. La vera domanda è: come possiamo fare in modo che queste iniziative non siano solo soluzioni temporanee, ma possano garantire un cambiamento duraturo e che le due dimensioni, verticale e orizzontale, possano finalmente incontrarsi? 

In una società dominata dalla cultura del successo, facciamo sempre più fatica a trovare le energie per rispondere a richieste e stimoli da cui siamo travolti ogni giorno. Per superare questo stallo occorre tornare a sorprenderci del destino, a investire in persone o attività che ci facciano arrivare alla sera stanchi, ma con il sorriso

Lavorare non stanca: siamo noi che ci stanchiamo con il lavoro

Nelle nostre ultime pause pranzo, sono state tante le occasioni in cui è emersa la parola stanchezza, declinata in tutte le sue forme. "Sono stanchissima" "Oggi, esausto!" "Sfi - ni - to". È nell'etimologia della parola lavoro che si radica la stanchezza. “Lavoro” e “labour” derivano dal latino labor che significava “pena”. Quindi, tenuto conto di questo comune denominatore con cui dobbiamo imparare a convivere, ci siamo chiesti: esiste una stanchezza positiva, buona? 

Mentre chiacchieravamo sul tema, tornavano in mente quelle sere in cui ci si addormentava con il sorriso dopo aver passato la giornata a fare qualcosa di faticoso ma bello. Enrico ricorda come se fosse ieri quando (ormai più di 20 anni fa) andava la domenica in campagna con papà e la sera era uno straccio, felice di aver piantato le verdure nell’orto, dato l'acqua agli agrumi, accatastato un po’ di legna.

Paola, invece, racconta di quei weekend in cui le capita di stare con le sue due nipotine: bellissimo, per carità, ma sappiamo tutti quanto sia faticoso star dietro a due bimbe che hanno il fuoco dentro. La sera va a letto stanca (avrebbe più che altro bisogno di un sarcofago) ma con i ricordi felici di una giornata che non dimenticherà per tutta la vita.

Ritornati alla realtà dopo esserci persi nei sentieri dei ricordi, abbiamo cominciato a cercare una risposta alla domanda relativa al se esista veramente questa differenza tra gradi e tipologia di stanchezze, o se sia soltanto una nostra teoria. Bene, qualcun altro aveva già pensato a qualcosa che viene definito come “stanchezza positiva”, che però indica esattamente il contrario di ciò che sembra: una stanchezza dovuta a un eccesso di stimoli esterni o auto-indotti, e non alla perdita di forza e vigore dovuta al lavoro e allo sforzo fisico.

La stanchezza positiva è al centro di “La società della stanchezza” di Byung-Chul Han, filosofo e docente sudcoreano che insegna teoria della cultura all'Universität der Künste di Berlino.

Nel suo libro, Han descrive una società dominata dalla positività, dalla performance e dalla competizione costante, dove l'individuo è sollecitato a essere produttivo e a superare i propri limiti. Questa incessante spinta al successo e alla realizzazione personale, secondo l'autore, porta a un esaurimento psicologico e a una diffusa sensazione di stanchezza, appunto.

Nel mondo contemporaneo, la maggior parte di noi è vittima di questa stanchezza malsana dovuta a una valutazione delle persone sulla base delle performance anziché su ciò che sono, a uno sfruttamento auto-imposto per raggiungere obiettivi che la società ci impone.

In questa continua corsa per il successo, si perdono di vista i bisogni personali, i desideri, le emozioni negative che, se covate, “avvelenano” dall’interno (ogni tanto un vaffanculo liberatorio è meglio di una tisana mentre ci si dice “mantieni la calma, e vai avanti!”).

L’autore sudcoreano realizza una critica alla società contemporanea, a noi, invitandoci a riflettere sul nostro rapporto con il lavoro, che spesso risulta malato e rischia di occultare il nostro tempo umano e la nostra identità.

Come dice lo scrittore Alessandro D’Avenia, «nel mondo contemporaneo abbiamo sostituito il destino (quello mitologico ed epico degli antichi greci) con la carriera». 

«Mentre il destino riguarda qualche cosa che è stato deciso nel passato [...] oggi è l'idea di carriera che fa il nostro destino. Tu devi entrare dentro qualche cosa che ti garantirà un destino felice - che non può essere meno che il successo - e questo innesta nel cuore e nella mente l'ansia. Sei obbligato a rispettare un copione, e lo devi rispettare "di gran carriera”».

E questo stanca. Forse, per sfuggire a quella stanchezza positiva che rischia di appiattirci come persone trasformandoci in meri ingranaggi del mercato, dobbiamo invertire la rotta, tornare a vivere il destino, cercare nutrimento per la crescita personale e non agire solo ed esclusivamente per raggiungere obiettivi di business. Dobbiamo promuovere quelle attività che ci permettono di essere stanchi con il sorriso, felici di aver fatto qualcosa di buono per noi stessi, senza alcun fine economico-lavorativo.

Entrando nel vivo della conversazione, noi che ci sentivamo estranei a tutti questi meccanismi, ci siamo resi conto in realtà di quanto siamo stanchi, eccessivamente stanchi, molto spesso non per l’aver fatto troppo, ma perché abbiamo fatto troppo poco le cose che ci piacciono e che ci fanno stare bene. Ci sentiamo di dare un consiglio non richiesto a tutti coloro che leggeranno queste parole: «Strappiamo il destino dalle prevedibili mani del business e offriamolo alle dita ignote delle Parche, godendoci quello che verrà con sorpresa».

Credenze, valori, comportamenti, idee. Dall’alba dei tempi sono questi gli elementi necessari a sedimentare la coesione tra gruppi di persone. Istanze che vengono tramandate di generazione in generazione tramite le storie. Accade nelle tribù, accade anche nelle aziende.

La cultura aziendale è una faccenda tribale

Tutte le organizzazioni umane sono fondamentalmente tribù. Le aziende in particolare hanno profonde caratteristiche tribali. E dall’alba dei tempi ciò che tiene insieme una tribù è la condivisione di storie. Il che significa riconoscere che in definitiva anche la “cultura aziendale” si basa su una narrazione, che permette di individuare valori comuni e costruire un senso di appartenenza e di comunità.

Si parla molto in questi tempi di cultura d’impresa e se ne parla in un modo nuovo, sfidando spesso il concetto che un’azienda abbia come proprio obiettivo principale solo quello di fare profitti. L’emergere di ampi dibattiti globali sulla Corporate Social Responsibility (CSR), sui fattori ESG o DEI e in definitiva sul purpose dell’impresa, hanno contribuito a rilanciare nelle aziende e nelle università le riflessioni su quali siano le caratteristiche della cultura aziendale. Le nuove generazioni in particolare non cercano un «impiego» e dei benefit, ma vogliono sapere che cosa un’azienda ha a cuore e per cosa si impegna, come promette di rendere migliore il mondo (o quantomeno di non peggiorarlo).

Il metodo più efficace per rispondere a queste esigenze è quello che ogni tribù conosce da sempre: raccontare la storia e le storie del percorso che si è fatto e si sta facendo insieme.

Lo confermano anche le ricerche più avanzate in questo campo. A Los Angeles, per esempio, alla Anderson School of Management della UCLA, Janis Forman documenta da anni il potere dello storytelling nella costruzione di solide strategie di business e quando affronta il tema della cultura aziendale cita spesso le tradizioni narrative del passato, incluse quelle tribali. “Nei regni antichi – scrive Forman in Storytelling for Business: The Authentic and Fluent Organization (Stanford University Press) – per esprimere e celebrare i valori fondamentali del regno si ricorreva a un po’ di tutto: dalle fiabe, che sono storie brevi con una morale, alle grandi narrazioni epiche, dove l’azione vedeva coinvolto un vasto panorama di luoghi, eroi e grandi eventi”. 

In azienda si può partire dalla stessa ispirazione, perché le imprese sono fatte di storie e la loro somma, quando sono ben raccontate e promosse in una narrazione coerente, permette di definire al meglio la cultura di un luogo di lavoro. Lo hanno documentato nel dettaglio Eric G. Flamholtz e Yvonne Randle in Corporate Culture: The Ultimate Strategic Asset (Stanford Business Books), teorizzando come la cultura corporate non sia altro che un insieme di valori, credenze e norme condivise. 

Niente di così lontano, quindi, dalle abitudini di una tribù, nella quale i membri si muovono sulla base di “taciti presupposti condivisi di un gruppo che ha imparato affrontando compiti esterni e occupandosi delle relazioni interne”: così scriveva il grande esperto di management e psicologo Edgar H. Schein, della Sloan School of Management del MIT, scomparso lo scorso anno. Analizzando per decenni le culture aziendali, come un antropologo avrebbe potuto fare con le tribù di remote aree del pianeta, Schein ha ricostruito come in ogni impresa si sviluppino tre livelli culturali, sintetizzati in questo celebre schema piramidale nel suo libro Organizational Culture and Leadership:

Ciò che è visibile all’esterno è in buona parte raccolto nel vertice della piramide, tra gli artifacts che la tribù aziendale ha prodotto. Le ragioni e i valori che spingono i membri della tribù ad agire in un determinato modo sono rintracciabili tra gli espoused values al centro. Potrebbero essere qui i fondamenti del purpose aziendale o di quello che Simon Sinek nel suo celebre golden circle chiama il Why dell’azienda. 

Ma è la base della piramide quella che determina davvero la cultura di un’azienda e il modo in cui si comportano i suoi membri. È là sotto che stanno anche le storie decisive, per esempio quelle di un fondatore dell’impresa o della prima generazione manageriale che ha impresso il proprio carattere all’azienda. 

La migliore comunicazione, ripetiamo spesso qui su Cipolla, è sapersi raccontare, ma per farlo un’azienda deve conoscere e riconoscere prima di tutto la propria cultura aziendale e le storie che la caratterizzano. Solo così potrà comunicare con il mondo esterno e con le proprie persone in un modo veramente autentico. Come una tribù. 

In Italia raramente optiamo per la continuità. Non ci capita in politica, non ci capita nello sport. Questo perché non ci prendiamo cura dei talenti, o, almeno, non nel modo giusto. Invertire questa tendenza è fondamentale per accompagnare i ragazzi nel percorso di crescita, per aiutarli a leggere i segni. E a sognare ( in un tempo in cui sognare non è così semplice).

Cosa sognano i giovani oggi? Sulla necessità di coltivare il talento

In Italia raramente optiamo per la continuità. Non ci capita in politica, non ci capita nello sport. Questo perché non ci prendiamo cura dei talenti, o, almeno, non nel modo giusto. Invertire questa tendenza è fondamentale per accompagnare i ragazzi nel percorso di crescita, per aiutarli a leggere i segni. E a sognare ( in un tempo in cui sognare non è così semplice)

Possiamo confermare che a noi, in Italia, la continuità non piace proprio. Non ci piace quando ci troviamo a scegliere chi ci governa, non ci piace quando impostiamo un piano a lungo termine salvo poi ribaltarlo completamente nel giro di pochi mesi, non ci piace quando affrontiamo le competizioni sportive. 

Molti compatrioti si potrebbero essere risentiti dopo questa affermazione ma è la storia a  supportare questa tesi. Dall’alternanza quasi perfetta tra le coalizioni di centro destra e centro sinistra al Governo che si è registrata negli esiti elettorali da trent’anni a questa parte, agli appuntamenti olimpici - in cui tradizionalmente gli azzurri più attesi faticano a ripetersi, mentre le gioie più grandi ce le regalano gli outsider (i Giochi di Parigi non hanno fatto altro che confermare questa tendenza). Una particolarità che si estende anche ad altri sport dove - Sinner a parte - i nostri talenti più floridi spesso fanno della poca continuità una delle caratteristiche principali.

Se parliamo della nazionale di calcio, poi, i dati non lasciano spazio a interpretazioni. Un brevissimo riepilogo della storia discontinua più recente: vinciamo il Mundial ‘82, non ci qualifichiamo per Euro '84. Terzi nelle Notti Magiche a Italia ‘90, ci sogniamo l’Europeo del 1992. Vicecampioni a USA ‘94, fuori dal girone a Euro England ‘96. Vicecampioni a Euro 2000, la Corea del Sud (e Byron Moreno) ci condannano agli Ottavi nel 2002. Campioni del Mondo 2006, peggiore Mondiale degli ultimi 30 anni nel 2010. Trionfo a Euro 2020 (nel 2021) e debacle in Germania nel 2024.

Da questi fatti non si sfugge. Quindi, c’è qualcosa che possiamo fare per dare discontinuità a tale cronica discontinuità? Coltivare il talento, coltivare la pazienza che implicano i processi di crescita, qualcuno ha detto. C’è una grande opportunità, ad esempio, da oggi alle Olimpiadi di Milano-Cortina 2026,  da oggi a United 2026, il prossimo appuntamento Mondiale, e cioè iniziare noi a raccontare cosa significhi coltivare il talento, cosa voglia dire la pazienza di piantare dei semi e prendersene cura, ogni giorno. Anche quando non abbiamo voglia, anche quando i risultati restano nascosti.

Raccontare qualcosa che c’è ma ancora non si vede

Può accadere così anche nelle organizzazioni, nelle realtà di business, dove prendersi cura, fino a poco tempo fa, sembrava qualcosa da appaltare alla responsabilità sociale o al volontariato di impresa. E invece oggi si sta riscoprendo che innaffiare con fiducia, continuità, conoscenze, competenze e anche un pizzico di rischio può fare molto bene alle proprie persone. Ma non basta.

Questo terreno deve diventare contagioso e “letalmente generoso”, deve farsi cultura. Per mettere al centro le cose più importanti e non (solo) quelle più urgenti.

Ma come? Come è possibile fare questo? E poi in Italia, non scherziamo.

E allora cominciamo dalle storie, quelle belle, del talento cresciuto alla distanza, in tempi fuori dalle nostre misure

Storie in cui si racconti la responsabilità con cui vogliamo (o dobbiamo?) accompagnare i giovani con metodo e slancio verso la governance che dovrebbe attendere loro.

Perché i giovani vedano in chi è più avanti di loro non un nemico o un ostacolo alla crescita, ma un Virgilio che permetta loro di andare nella direzione giusta, fidandosi dei segni della realtà. Per scoprire le meraviglie del mondo e della vita.

E poi la domanda delle domande, ma i giovani oggi chi sono?

In origine strettamente legate al mondo delle controculture, con il tempo le fanzine hanno assunto nuove forme e linguaggi. Con un insospettabile legame con il digitale. Ne abbiamo parlato con Francesco Ciaponi, autore di “Fanzine culture. Ciò che viviamo in rete era già nella carta”.

Niente regole, solo istinto creativo. Le fanzine al servizio dei brand?

Francesco Ciaponi è uno dei massimi esperti di fanzine ed editoria indipendente del nostro Paese. Professore di Storia della Stampa e dell’Editoria presso l'Accademia di Belle Arti di Brera, LABA di Rimini e Istituto Modartech, dirige il magazine Contesto, rivista di editoria indipendente e cultura del testo.

Da qualche settimana è uscito il suo nuovo libro dal titolo “Fanzine culture. Ciò che viviamo in rete era già nella carta”. Ne abbiamo parlato con lui, del media, delle sue caratteristiche e di come possano interagire con un racconto di brand.

BEA - Ciao Francesco, partiamo dall’idea di scrivere un libro sulle fanzine. Com’è nata, come si è sviluppata?

«Insegnando ormai da una decina d’anni “Storia dell’editoria” all’Accademia delle Belle Arti di Brera, nel tempo mi è capitato di inserire nel programma parti che provenivano dal mondo indipendente, di cui la fanzine rappresenta l’argomento più “estremo”. Oggi il corso è completamente su questo tipo di argomenti.

E devo dire che quello che vedo fra i ragazzi un po' mi dà ragione. È incredibile come, all’inizio dell’anno, nessun ventenne tra i circa 100 iscritti all'Accademia di Belle Arti sappia cos’è una fanzine. Questa presa di coscienza da un lato mi abbatte interiormente, dall’altro però apre a tutta una serie di spazi di manovra. Infatti, quando ci troviamo ad approfondire questi argomenti i ragazzi si illuminano come non mai, perché scoprono un mondo intero.

La fanzine, infatti, è l’unico media - così l’ho definito nel testo - dove non esiste una regola. Se non quella che chi decide di realizzare una fanzine si auto impone; questo aspetto è molto radicale. Se ci pensiamo bene è difficile trovare lavori o progetti, sia scolastici che lavorativi, in cui non esiste alcuna regola».

E i ragazzi come rispondono all'assenza di regole?

«Beh, all’inizio con una difficoltà incredibile. È uno spazio in cui nessuno di noi è abituato a muoversi. Così partono molto tranquilli, poi quando capiscono che davvero non hanno riferimenti scatta il delirio, esplodono di creatività. Da un lato abbiamo questo aspetto legato alla storia delle fanzine e alla sua componente radicale e dirompente, mentre nella seconda parte del libro ho raccontato del rapporto con il digitale, di come questa mancanza di regole sia unica anche rispetto al mondo del web.

Queste due parti sono consequenziali nel libro. Una prima parte maggiormente storiografica in cui cerco di delineare un po’ la storia del fenomeno, partendo dal presupposto che in Italia non c’era grande materiale che ne raccontava l’evoluzione, e una seconda in cui mi avventuro un po’ in questa tesi che, come dice il sottotitolo del libro, «Ciò che viviamo in rete era già nella carta». Ciò che oggi creiamo e facciamo nel digitale era già spesso presente nelle dinamiche mediatiche dello strumento “zine”. Da qui cerco di fare una serie di esempi».

Le fanzine nascono un po’ come espressione delle controculture, come veicoli che associano idee e persone all’interno di “nicchie” fuori dai sistemi di potere. Come può un medium con queste caratteristiche spostarsi sul digitale senza perdere di autenticità?

«Sicuramente il rapporto e la contrapposizione sta tra carta e digitale, analogico e piattaforme, è tra questi due supporti e nel loro rapporto dialettico che si instaura un legame tutto particolare. Però è interessante notare come accanto alle differenze possa emergere anche una certa continuità tra quanto accadeva offline e quando accade online. Le prime fanzine, ad esempio, venivano spedite a un elenco di indirizzi postali, ognuno riceveva un contenuto identico su richiesta dell’utente finale perché appassionato a un dato argomento. Si tratta di un processo estremamente simile a quello delle moderne mailing list e dell’invio delle newsletter. 

Questo è solo un fenomeno, ma ce ne sono altri. Pensiamo all’idea del meme, assimilabile agli adesivi che un tempo imperversavano ovunque sulle pareti, oppure i murales. Quello che mi piace, che mi stuzzica è sempre andare a vedere quello che per noi oggi è normale se aveva degli antenati nelle fanzine, e devo dire che ne ho trovati molti. Nel libro cerco di utilizzare più esempi e vari elementi per evidenziare questo grado di parentela».

C’è quindi un confine sottilissimo sotto molti aspetti, ma quello che rimane centrale pare essere proprio l’assenza di regole. È qualcosa che ha a che fare da vicino con la libertà…

«Ovviamente anche questo aspetto rientra nella discussione relativa alle fanzine digitali e quelle fisiche. Chi preferisce il digitale vede delle possibilità molto più ampie rispetto al passato, ma c’è comunque un senso di limitatezza. Nel tempo è cresciuta la capacità interattiva delle stesse. E il termine interattività è fondamentale, da sempre il ruolo del lettore è centrale. Il suo divenire parte del progetto, fare qualcosa, sentirsi chiamato in causa. Con il digitale queste possibilità esplodono e sembrerebbe una gara impari. Però per me la fanzine è un qualcosa che deve essere toccato. Si tratta di un mio gusto personale ma se non la tocco, non la sfoglio o non posso girarla tra le mani, per me se non c’è più tutto questo rischiamo si perda gran parte del suo essere interessante».

Questo è un altro tema. Facciamo molta più fatica a sentire come nostro qualcosa che non possediamo. Oggi l’elemento fisico è diventato esclusivo, mentre il digitale è diventato “popolare”. Come si interseca questo aspetto con quello che fai?

«Questo ragionamento sulle fanzine come mezzo di comunicazione che appare elitario è qualcosa che ritrovo molto nel fenomeno dei magazine indipendenti come “Indie”, “Extra Extra” portato avanti in Italia da realtà quali “Frab's” o “Edicola 518”, quel contesto lì molto vivo e attivo, più strettamente cartaceo, vive ormai un certo feticismo dell’oggetto, arrivato a essere quasi più importante dei contenuti. Il tema dell’elitarismo anche nelle zine è presente. Prendiamo per esempio Ossì, la fanzine erotica stampata in alcuni numeri in risograph, meravigliosa, estremamente curata. Per chi come me studia l’editoria indipendente da sempre, spesso è destabilizzante. Oggi sono definite "indipendenti" cose che qualche anno fa non lo erano affatto, quindi forse va proprio riletto l’oggetto “zine” secondo questa premessa».

«Negli anni ‘70, quando venivano realizzate le riviste underground, i criteri di base erano arrivare a più persone possibili nella maniera più semplice e veloce, quindi oggi tutte quelle fanzine sarebbero online. Mentre spesso oggi usiamo la carta perché è cambiato l’obiettivo: puntiamo a raggiungere dei target sempre più precisi e detagliati, con confini netti. “Fidelizzati”, direbbe qualcuno».

Proprio il legame con la controcultura è un altro degli aspetti chiave. Oggi sembra che anche i movimenti meno mainstream abbiano difficoltà a rimanere “puri”. Questo non rischia di far perdere l’essenza o depotenziare il messaggio delle fanzine?

«Sicuramente il tema di snaturare l’essenza non dico ribelle, perché non tutte le fanzine lo sono, ma comunque anarchica esiste. Se realizzi una fanzine lo fai per dare qualcosa agli altri, poi se sei bravo e questi “altri” diventano 8 milioni di persone, di sicuro non è una colpa. Certo, esistono le fanzine che finiscono per essere usate come house organ o in alcuni casi come “zine” allegate al prodotto. Ho fatto da relatore di tesi ad una studentessa che è entrata in contatto con Tacchettee (un brand specializzato in abbigliamento nostalgico sportivo, ndr) e due volte l’anno produce per loro una “zine” dove non parla di prodotti ma di temi relativi al mondo grafico calcistico degli anni ’90, che viene imbustata insieme ai prodotti. È chiaramente un prodotto molto specifico, old school, volutamente retrò, con fotocopie pinzate e dove lei fa una bella ricerca contenutistica. Lì per esempio l’effetto snaturamento o svuotamento dell’anima anarchica si avverte poco, nel senso che l’approccio è ancora estremamente fresco, si sente che la ragazza è libera di andare dove vuole e fare quello che le pare. Credo sia sempre più un tema di sensibilità, te ne accorgi subito se il linguaggio è calato dall’alto, o in qualche modo imposto, o se il brand vuole utilizzarlo perché ritiene che funzioni nel suo contesto».

«Un bell’esempio di fanzine e rapporto con i brand è quello di Alessandro Michele, anche lui realizzava dei magazine chiamandoli fanzine, perché alla fine ognuno può definirle come meglio crede. Poi si può discutere per molto tempo su questo aspetto, sul fatto che fossero vere e proprie “zine” o meno, ma intanto molte persone che non sapevano di cosa si parlasse grazie a quel lavoro hanno conosciuto il termine stesso di “fanzine”. Visto il contesto avevano sicuramente un altro sapore rispetto al solito ma si torna a un concetto che avevamo già espresso: la fanzine è qualcosa che non si misura nella parte fisica ma nella sensibilità, è l’approccio che fa la differenza tra una fanzine e altri tipi di prodotti. Ma non vuole dire che uno sia migliore di un altro, è solo differente». 

Possiamo definire questa ricerca astratta come il tentativo di creare una comunità di persone che si parlano e discutono, si concentrano attorno a un tema o prodotto?

«Io sono del ‘78, però quando ero ragazzo esistevano ancora ed erano diffusi i fan club dei cantanti e degli artisti. Lì si producevano delle pseudo fanzine dove si seguiva la vita dell’artista, e quell’aspetto “fandom” rimane ancora, di discutere con altri della tua stessa passione. Quello che però spesso manca in questi casi è quell’elemento che nel libro ho chiamato “tempo liberato”. Cioè quando ti stacchi dalle “menate” e ti gusti ogni singolo momento che è solo da godere, che nessuno ti ha chiesto. Sei privo di un obiettivo che non sia il tuo star bene. 

Si tratta di qualcosa che ci permette di passare un minuto, un giorno o un mese a fare qualunque cosa. Qualcosa su cui nessuno può intervenire e mettere bocca. Qui subentra anche l’aspetto molto individualista delle fanzine, che spesso viene dimenticato. 

Poi certamente c’è un aspetto comunitario che è fondamentale ma dobbiamo ricordarci che le fanzine vengono realizzate spesso perché è il singolo a voler comunicare qualcosa. Con una spinta così forte che alle volte è prioritaria anche rispetto al fatto che ci sia o meno qualcuno che voglia leggerla».

Liberandosi dalla schiavitù della produttività…

«Ancora meglio, è una produttività del tutto personale. C’è tutto un filone di studi proveniente dal mondo americano in cui è particolarmente sviluppato, diffuso e considerato come consuetudine, che vede le “zine” come strumento pedagogico utilizzato nelle scuole. Qui le fanzine vengono utilizzate soprattutto nei casi di disagio psicosociale, dal bullismo ai problemi di alimentazione per arrivare alle difficoltà espressive».

«Le “zine” sono considerate un ottimo strumento perché permettono non solo il gusto di “assaggiare” qualcosa che inventi tu, ma anche la possibilità di creare un mondo con cui comunichi cose che con altri linguaggi, soprattutto verbali, non riesci a fare. Un aspetto molto bello».

Quindi il mondo delle fanzine è tutt’altro che ancorato ad ambienti e linguaggi particolari…

No, non lo è. Guardiamo, ad esempio, al tema della “zine” come performance; quindi non come progetto finito ma come costruzione dell’elemento fanzine. Vi faccio un esempio: tra i miei studenti ho avuto una ragazza che è un’assidua frequentatrice di rave. Ha scelto di laurearsi con me proprio con una fanzine sul mondo rave, uno degli ultimi, veri, fenomeni underground rimasti. 

Nel caso specifico i contenuti non sempre erano semplici da trovare. Quello che abbiamo pensato, e poi lei ha fatto con grande bravura, è stato seguire tre o quattro rave e andare ogni volta con un generatore, un portatile e una serie di cellulari quasi usa e getta, godersi e vivere il rave in prima persona e, distribuendo questi cellulari, inserire nella fanzine i contenuti generati da persone a caso durante l’evento. Poi impaginava tutto e stampava la sua “zine” per distribuirla prima della fine del rave stesso. Quindi quella fanzine era legata in tempo reale alla storia del rave. Ne segue le tappe per poi scomparire: questo è l’effetto performativo.

Mi sembra che questi aspetti siano molto vicini all’idea di guerrilla marketing che fa parte degli strumenti di comunicazione che hanno affinità con il mondo della fanzine. Io per la mia laurea, ormai molti anni fa, avevo messo delle fotocopiatrici nei bagni degli uomini e delle donne. Chiunque poteva fotocopiarsi addosso, usando il proprio corpo. Dopo una prima settimana di panico, in cui nessuno “si fotocopiava”, capii che bastava metterci qualche fotocopia che facesse da esempio ed allora cominciò un delirio che ha portato a un risultato finale incredibile».

Si apre un mondo di opportunità potenzialmente infinite.

«Io ai ragazzi dico sempre che oggi il problema delle fanzine non è la possibilità fisica della realizzazione ma piuttosto l’idea. Se hai qualcosa di urgente che “deve” uscire, che senti che ti fa stare bene, anche cose odiose come “Mille modi per uccidere l’artista X”, grandi classici che trovo ai miei esami - se hai qualcosa che si muove dentro e nasce dal corpo, come fosse un bisogno fisico, devi farlo. Non ce l’hai? Lascia perdere».

Chiudiamo con una domanda che per noi è centrale: si può fare una fanzine di brand? Appare difficile far convivere questa spinta così umana con le necessità di un marchio.

«In realtà non lo so. Secondo me è una sfida molto divertente, forse più divertente di fare una fanzine sulla serie tv che ti piace. Qui entrano in ballo molte delle cose che abbiamo detto, certo bisogna capire il progetto alla base e con una “zine” di brand cosa vuoi comunicare, quali contenuti immagini. Se bisogna essere più vicini all’house organ è chiaro che la sfida si fa ardua, se invece si vuole creare rumore intorno al brand allora banalmente, ad esempio, si mette la fotocopiatrice per strada e poi si lavora sul risultato finale. Ovviamente dipende da che tipo di obiettivo ci si pone.

Se i contenuti possono essere veramente liberi, con un approccio fanzinaro, allora è un bel progetto. Io mi ci divertirei molto. Questo perché ti porta a una sfida differente, molto più interessante, riuscire a mantenere quell’approccio di cui parlavamo ma in un ambito in cui quella libertà e quella visceralità solitamente sono meno presenti. Non te le aspetti.

Però non lo escluderei, ci siamo detti che una fanzine non ha regole quindi può tranquillamente essere inzuppata di concetti legati al brand».

AEdicola Lambrate ed Edicola Radetzky a Milano, Edicola 518 a Perugia. Crescono le esperienze di edicole che si reinventano, diventando spazi di socialità ed espressione artistica. Una transizione fondamentale per la vita delle città di tutto il mondo, sempre più prive di luoghi dove fuggire per un attimo dalla frenesia del mondo contemporaneo.

Dalle edicole nostrane ai kiosk sovietici, quando la rigenerazione urbana lascia germogliare cultura

AEdicola Lambrate ed Edicola Radetzky a Milano, Edicola 518 a Perugia. Crescono le esperienze di edicole che si reinventano, diventando spazi di socialità ed espressione artistica. Una transizione fondamentale per la vita delle città di tutto il mondo, sempre più prive di luoghi dove fuggire per un attimo dalla frenesia del mondo contemporaneo

Sempre più spesso la nostra società lavora alla riconversione e al ripensamento di vecchi spazi urbani. Una tendenza che permette la valorizzazione di un patrimonio già esistente ma adattandolo alle nuove esigenze della società di riferimento. Un bell’esempio è quello che viene raccolto all’interno del libro “Kiosk: The Last Modernist Booths Across Central and Eastern Europe” di Zupagrafika, aka il fotografo David Navarro e la scrittrice Martyna Sobeun. Un lavoro che racconta la storia di questi piccoli edifici brutalisti, un tempo fulcro del commercio di strada e della vita quotidiana, ora in decadenza. 

Si tratta di un volume contenente oltre 150 immagini raccolte nel corso dell’ultima decade, da Lubiana a Varsavia, passando per Belgrado e Berlino, il lavoro documenta gli esempi rimanenti di questi piccoli e compatti edifici, prima della loro completa sparizione. Prodotti in serie a partire dal 1966 seguendo il disegno del modello K67 dell’architetto sloveno Saša J. Mächtig, l’innovativa (al tempo) scelta della plastica come materiale permise la loro diffusione in tutta la sfera sovietica. L’estetica geometrica e minimalista si adattava armonicamente ai paesaggi e oggi, per non perderne l’impatto estetico, molti vengono restaurati e reinterpretati trovando rinnovata funzione. Ora librerie attente ai nuovi trend, ora piccoli caffè o spazi di ritrovo artistico, conservano il loro fascino portando nuove prospettive d’utilizzo e spazi d’interazione.

Il libro prova a celebrare il design e l’architettura, certo, ma anche a raccontare un tempo passato e una parte della vita urbana, dall’impatto sociale e culturale, che difficilmente potrà essere rimpiazzato o ricostruito se non proprio attraverso la rigenerazione di questi luoghi.

Trovo ci sia una bellissima storia di cura e un’idea di società diversa in questo tentativo di recuperare qualcosa che per i più sarebbe destinato a sparire. Elementi centrali nella vita che è un tempo era, minacciate dall’avvento del digitale, possono ancora essere recuperate e ripensate come spazi multifunzionali. Pensiamo, ad esempio, al caso di AEdicola Lambrate a Milano: qui una vecchia edicola situata in via Conte Rosso, nel quartiere di Lambrate appunto, è stata riconvertita in un punto di riferimento culturale capace di ospitare eventi e mostre, trasformandosi in uno spazio aggregativo per il quartiere. Nuovamente, come per i Kiosk post sovietici, la dimostrazione che spazi tradizionali possono essere riconvertiti creando nuova vita e accogliendo alcune necessità della comunità, creativa e non, delle città.

Si tratta di un modo per non arrendersi al cambio repentino delle grandi metropoli che rischiano spesso di portare con loro le carcasse di un tempo passato. È in questi casi che si può apprezzare  in maniera plastica l’opportunità che sta dietro all’idea di rigenerazione urbana. AEdicola Lambrate nasce dall’idea e dalla passione di Alioscia Bisceglia, già membro dei Casino Royale e mente dietro al lavoro fatto, sempre a Milano, da Elita Bar e dal creativo Paolo Iabichino. Dall’incontro tra le due menti nasce uno spazio che oltre che essere edicola attenta a giornali e prodotti editoriali in purezza punta a sviluppare progetti artistici: mostre, residenze e incontri. Più di ogni altra cosa, però, AEdicola vuole restituire un punto di incontro e contatto quotidiano al quartiere, un luogo dove incontrare esseri umani, anime, storie di persone in una città sempre più frenetica e isolazionista.

Sempre a Milano esistono casi come quello di Edicola Radetzky, una vecchia edicola in stile Liberty, situata in Viale Gorizia. Un luogo trasformato in uno spazio artistico che ospita mostre e installazioni. A seguito del progetto di riqualificazione della zona della Darsena, Edicola Radetzky, dopo alcuni anni di abbandono, è stata affidata dal Consiglio di Municipio al Progetto Città Ideale che ne ha curato il restauro per trasformarla dalla primavera del 2016 in uno spazio culturale.

A Perugia troviamo l’esperienza di Edicola 518, una piccola edicola che è diventata una libreria indipendente e spazio culturale, attiva nel promuovere l’editoria indipendente e iniziative artistiche di vario tipo. Edicola 518 si autodefinisce “il chiosco ribelle per gli amanti della bella carta”. Fondata da Emergenze, un piccolo gruppo di artisti e giornalisti nato dalla rivista omonima, "di cui ad oggi sono usciti cinque numeri, pubblicati a cadenza periodica e diffusi con impegno missionario su tutto il territorio italiano”. Situata nel centro storico di Perugia, Edicola 518 seleziona e propone una vasta serie di magazine indipendenti, libri d’artista, carte anarchiche, fanzine e autoproduzioni targate Emergenze Publishing.

Sulla falsariga delle esperienze di cui sopra si muove anche Liberi Edizioni, fondato da Nicola Angrisano è un progetto artistico-editoriale nato a Napoli dalla volontà dei suoi ideatori di evidenziare in maniera artistica lo stato in cui versano le edicole in Italia. Il tutto fatto attraverso installazioni temporanee non invasive, che ne recuperano la funzione di punto d’informazione. Realizzate spesso sulle saracinesche di edicole dismesse, è grazie ad azioni vicine alla performance artistica che si cerca di dare evidenza di una situazione fortemente sintomatica della situazione culturale del Paese. 

Questa tendenza globale di riuso e ripensamento degli spazi, che si estende dalle edicole italiane fino ai chioschi dell'ex Unione Sovietica, rappresenta una vera e propria operazione di sostenibilità culturale. Invece di demolire e ricostruire, si valorizza l'esistente, integrando tradizione e innovazione. I vecchi spazi, pur mantenendo la loro identità storica, si reinventano e si riscoprono altri, con la capacità di rispondere alle nuove esigenze sociali ed economiche, diventando testimoni della trasformazione delle città, in alcuni casi provando a frenarla o a indirizzarne il percorso verso strade maggiormente sensibili e a misura di persona.

Ma il legame tra comunicazione, editoria e rigenerazione urbana applicata a questi campi ha molti altri esempi, in particolare in Europa. Il Centre for Contemporary Art (CCA) di Glasgow, ad esempio, rappresenta un luogo di riferimento per la comunità creativa locale, capace di promuovere il dialogo culturale tra diverse discipline come arte, editoria e giornalismo. Eventi artistici, mostre, attività legate alla comunicazione visiva e scritta si svolgono all’interno di questo vecchio edificio riconvertito a nuova funzione.

A Newcastle, sempre nel Regno Unito sorge The Biscuit Factory, un antico edificio industriale risalente al tardo XIX secolo, situato nel cuore del vivace quartiere Ouseburn, realmente dedito alla produzione di biscotti poi trasformato a partire dal 2002 in uno spazio multifunzionale per l'arte, l'artigianato e l'editoria indipendente. Oltre a ospitare gallerie d'arte e studi creativi, la Biscuit Factory è sede di eventi editoriali e di workshop di scrittura e stampa. Un vero e proprio luogo in cui comunicazione visiva e letteraria si incontrano, dialogando. In poco tempo The Biscuit Factory è diventato un punto di riferimento per artisti locali e visitatori, promuovendo l'arte accessibile e sostenendo il talento creativo del nord-est dell'Inghilterra.

La rigenerazione degli spazi urbani dismessi non solo trasforma fisicamente il territorio, ma ha un impatto significativo sul tessuto sociale ed economico delle comunità, ne migliora la qualità della vita e promuove uno sviluppo urbano concretamente sostenibile. Una boccata d’aria in una società che non si permette mai il lusso di rallentare e provare a ridare vita a qualcosa che un tempo è stato importante riferimento nella costruzione delle identità tanto delle città quanto dei propri abitanti.