«Il mio lavoro consiste nel capire perché un artista fa arte». Parla Alessia Fraioli, aka cometicriticolarte
Che cosa significa costruire il posizionamento di un artista (e di un’impresa) lavorando sull’identità e come si costruisce una sguardo personale e riconoscibile nell’era dell’AI.
Alessia Fraioli racconta l'arte contemporanea su Instagram con il profilo @cometicriticolarte (una community da più di 130 mila followers) e lavora su strategia, identità e posizionamento di artisti contemporanei. Ma il suo punto di partenza, all'Accademia di Belle Arti di Roma, era esattamente opposto a quello di oggi.
«All'epoca ero piuttosto diffidente nei confronti dell'arte contemporanea e condividevo molti dei pregiudizi che ancora oggi spesso le vengono rivolti: l'idea che fosse incomprensibile, distante o addirittura priva di significato. Durante gli studi ero convinta che gran parte dell'arte contemporanea non potesse essere definita arte. Quando iniziai ad approfondire questi temi in ambito estetico e filosofico, pensavo addirittura di dedicare la mia tesi a dimostrarlo. Poi è successo qualcosa di inaspettato: più studiavo, più mi rendevo conto che molte delle convinzioni che consideravo ovvie erano in realtà dei pregiudizi».
Il ribaltamento di prospettiva ha una data e un luogo precisi: il terzo anno di Accademia, un corso di estetica.
«La svolta arrivò grazie a un professore che, più che parlare delle opere, parlava dei contesti da cui nascevano, delle domande che ponevano e del rapporto tra arte e società. È stato allora che ho capito che l'arte contemporanea non era semplicemente qualcosa da guardare o da studiare, ma un linguaggio attraverso cui leggere il presente e comprendere meglio l'essere umano. Paradossalmente, mi sono appassionata all'arte contemporanea proprio nel momento in cui ho smesso di chiedermi se mi piacesse o meno. Ho iniziato a chiedermi che cosa stesse cercando di raccontare, quali domande sollevasse e perché generasse reazioni così forti».
Ma cosa la affascina, oggi, di quel linguaggio?
«Ho capito che il valore dell'arte contemporanea non sta necessariamente nel piacere, nel consenso o nella bellezza, ma nella sua capacità di aprire possibilità di pensiero. Anche quando un'opera non incontra il mio gusto personale, continua a interessarmi perché mi mette di fronte a qualcosa che esiste al di fuori della mia esperienza e delle mie categorie mentali. Credo che il mio lavoro nasca ancora da quella scoperta: la convinzione che l'arte contemporanea non debba necessariamente fornire risposte, ma possa aiutarci a guardare la realtà da prospettive diverse».
Influencer, critica, strategist
Le chiediamo in quale parola si riconosca di più.
«Sicuramente sono una content creator, ma mi occupo anche di strategia, curatela e management per artisti contemporanei. Non amo definirmi critica d'arte, mentre influencer è una parola che oggi porta con sé un significato spesso riduttivo o negativo. Detto questo, credo che il concetto di influenza sia molto più complesso di quanto sembri. Se ci pensiamo, i critici, i curatori e gli storici dell'arte sono stati tra i primi a influenzare il modo in cui il pubblico guarda e interpreta le opere. In questo senso, chiunque esprima un punto di vista contribuisce inevitabilmente a orientare lo sguardo degli altri».
Dove passa, allora, il confine tra influenzare il gusto e costruire un punto di vista?
«La differenza, per me, sta nell'intenzione. Non creo contenuti per dire alle persone cosa devono pensare o cosa devono apprezzare. Cerco piuttosto di offrire strumenti di lettura, contesti e prospettive che permettano a ciascuno di costruirsi una propria opinione. Più che influenzare, mi interessa costruire nel tempo uno sguardo riconoscibile. Un punto di vista coerente, che aiuti a leggere l'arte contemporanea in modo più accessibile e consapevole. Perché i contenuti cambiano continuamente, mentre ciò che resta è il modo in cui scegliamo di osservare e raccontare il mondo».
Accendere una curiosità
Restano però due esigenze difficili da conciliare: la velocità dei social e il tempo che un'opera d’arte richiede.
«Credo che la prima cosa da fare sia non idealizzare né demonizzare i social. Un contenuto di un minuto non potrà mai restituire tutta la complessità di un'opera, di un artista o di un movimento. Sarebbe illusorio pensare il contrario. Allo stesso tempo, però, non credo che sintesi significhi necessariamente banalizzazione. La vera sfida è riuscire a rispettare le regole del mezzo senza rinunciare alla qualità del contenuto».
Cambia, semmai, l'obiettivo che si assegna al formato breve.
«Personalmente, non vedo i social come un luogo in cui esaurire un argomento, ma come uno spazio in cui accendere una curiosità. Un buon contenuto, secondo me, non deve dare tutte le risposte: deve lasciare una domanda aperta, un dubbio, un desiderio di approfondire. I social non possono sostituire un museo, un catalogo o un testo critico. Possono però diventare una porta d'accesso».
Capire perché un artista fa arte
C'è poi la parte del suo lavoro che non passa dai feed. Le chiediamo che cosa significhi, concretamente, lavorare sul posizionamento di un artista.
«Significa innanzitutto comprendere chi è davvero. È un processo che richiede tempo, ascolto e approfondimento, perché non riguarda soltanto le opere, ma anche il percorso, il pensiero, le esperienze e le domande che stanno alla base della sua ricerca. Se dovessi sintetizzarlo in una frase, direi che il mio lavoro consiste nel capire profondamente perché un artista fa arte. Una volta individuato quel nucleo, tutto il resto diventa più chiaro: il modo in cui raccontarsi, il linguaggio da utilizzare, il pubblico con cui dialogare e gli aspetti della sua ricerca che meritano di essere valorizzati».
E il rischio che la strategia diventi una sovrastruttura?
«Per me il posizionamento non è costruire un personaggio o applicare strategie standardizzate. Al contrario, significa portare alla luce ciò che rende un artista unico e trovare il modo più autentico ed efficace per comunicarlo. In fondo, la visibilità ha valore soltanto quando è coerente con l'identità di chi la ottiene».
Se sostituite artista con azienda, capirete la ragione per cui il nostro lavoro sulla narrazione strategica, in Bea Media Company, comincia molto prima dei contenuti: senza quel nucleo non si riuscirebbe a costruire un’identità e un posizionamento distintivi, e la visibilità che ne deriva resterebbe senza fondamenta.
Il confine tra arte e saper fare
Un'altra distinzione che torna spesso nel dibattito pubblico è quella tra arte e artigianato.
«Credo che il confine sia molto meno netto di quanto siamo abituati a pensare. Personalmente, non penso che la differenza risieda semplicemente nella tecnica o nell'abilità manuale. Esistono artigiani straordinari e artisti che lavorano con una perizia eccezionale. Forse la differenza passa anche dal contesto e dal valore che una società attribuisce a un oggetto: non solo un valore economico, ma anche culturale e simbolico. In molti casi, ciò che consideriamo arte o artigianato dipende anche da come quell'oggetto viene interpretato, raccontato e riconosciuto collettivamente».
Il racconto, la narrazione, dunque, sono una delle condizioni che determinano il valore stesso dell’oggetto. Non perché la narrazione crei valore dal nulla, ma perché è ciò che permette a un valore già esistente di essere riconosciuto.
L'intelligenza artificiale e la domanda giusta
Ultimo nodo: se una macchina produce immagini, testi e stili, può produrre arte da sola?
«Sì, credo che un'intelligenza artificiale possa produrre arte. In realtà, la domanda che mi interessa di più non è se qualcosa sia o non sia arte, ma quale valore abbia per chi la osserva e per il contesto in cui viene inserita. La storia dell'arte ci ha insegnato che non esistono caratteristiche universali e immutabili che permettano di stabilire una volta per tutte che cosa sia arte. La vera questione, secondo me, è un'altra: che cosa la rende significativa? Che cosa la distingue da infinite altre immagini possibili?».
Ed è qui che entra in gioco la figura dell'artista.
«Ciò che rende un artista riconoscibile non è soltanto la sua capacità di produrre immagini, ma la visione che porta nel mondo. Le opere cambiano, gli strumenti cambiano, persino le tecnologie cambiano, ma ciò che continua a fare la differenza è la capacità di costruire uno sguardo originale e un immaginario coerente nel tempo. Più che chiederci se l'intelligenza artificiale possa fare arte, forse dovremmo chiederci come cambierà il modo in cui attribuiamo valore, significato e riconoscibilità alle opere e agli artisti».
Che cos'è l'arte
Restava la domanda da un milione di dollari.
«Negli anni ho riflettuto molto e alla fine sono arrivata a una risposta apparentemente semplice: per me l'arte è qualsiasi cosa venga proposta all'apprezzamento del pubblico. Non esiste una caratteristica che tutte le opere d'arte condividano necessariamente. Non la tecnica, non la bellezza, non l'emozione, non il significato, non l'intenzione dell'autore. L'arte è piuttosto un'attribuzione di valore che una comunità, un contesto culturale o anche un singolo individuo conferisce a un oggetto, a un'immagine, a un gesto o a un'esperienza. La domanda interessante è quale valore, significato o rilevanza quella forma d'arte riesca ad assumere nel tempo».
Se ci pensiamo, è la stessa dinamica che governa la reputazione di un'organizzazione: non coincide solo con quello che dice di sé, ma anche con ciò che gli altri accettano di attribuirle, e si misura sulla distanza lunga. Per questo su Cipolla continuiamo a osservare linguaggi lontani dal nostro perimetro. Ce lo ricorda anche l’arte contemporanea, nelle parole di Alessia: «il nostro sguardo non è l'unico possibile. E imparare a convivere con questa consapevolezza è una straordinaria forma di libertà».
