Fumettista, illustratore, pittore e docente, scopriamo con il padre di Dirt perché è necessario fare arte.

Di arte, AI e processi creativi: la parola a Giulio Rincione

«Quando nel 2020 ho deciso di dedicarmi a un fumetto in quattro volumi che avrebbe previsto più di mille tavole e che solo ora si avvia alla conclusione, sarei stato davvero pazzo a iniziare un progetto simile senza pensare che ne valesse la pena. Sei anni scanditi ogni giorno dalla sveglia alle 5 e da un protagonista che sembrava non volesse seguirmi».

È iniziato così il dialogo con Giulio Rincione, autore di numerosi fumetti, incluso Dirt, la recente saga dedicata al protagonista distopico di una realtà post-pandemia in cui, oltre al virus e tra i superstiti, si aggira una malattia letale: la dimenticanza. Un dialogo che è proseguito tra profezie e peripezie, analisi e scoperte, e che affonda saldamente le radici nel mondo dell’Arte con la a maiuscola, oggi inevitabilmente attraversato dalle contaminazioni dell’AI. Ma cosa vuol dire davvero fare arte e perché ne abbiamo bisogno?

Rincione non usa mezzi termini e, se avete avuto la fortuna di essere suoi studenti alla Scuola Comix o di aver ascoltato una delle sue riflessioni sull’arte, lo sapete già. In questo caso, però, la semplicità cristallina della definizione fa proprio al caso nostro. Inizia col dire: «L’idea di per sé non è arte, non basta. Quel che rende l’idea arte è il processo creativo che dall’idea porta all’opera». In buona sostanza, chiunque pensi di definirsi un AI artist – gli artisti dell’intelligenza artificiale il cui numero è in costante aumento – delegando alle AI il processo creativo, viene meno rispetto alla definizione stessa di arte. Ma perché?

Siamo abituati a considerare l’AI come uno strumento, per definizione un oggetto in grado di supportarci esattamente come un pennello o una buona tela per un pittore e, in questo senso, la definizione, al netto dell’uso che ne facciamo, si applica perfettamente anche all’intelligenza artificiale. Ma il punto, per Giulio Rincione, non è lì. Il problema non è lo strumento: il cuore della questione è il tempo.

«Il valore che diamo a una cosa è direttamente proporzionale al tempo che scegliamo di dedicarle», ed ecco che davanti ci sono i sei anni dedicati a Dirt. «Sicuramente se avessi dipinto a olio su tela ci avrei messo quindici anni e non sei, quindi è chiaro che la tipologia di strumento incide sul lavoro. Ma se mi fossi sottratto al tempo non avrei potuto confrontarmi con i miei limiti. I limiti mi definiscono: lo stile che ho costruito l’ho costruito sui miei punti deboli, non sui miei punti di forza. Attraverso l’arte è come se avessi scelto di esternare e valorizzare i miei difetti».

L’arte, insomma, non si limita a raccontare, ma crea nuove versioni di noi. Lo stile di Rincione applicato a Dirt, il coniglio distopico ed ex testimonial di un marchio di sigarette che sopravvive alla dimenticanza e si ritrova catapultato nel mondo reale come un moderno Roger Rabbit, inizialmente non voleva piegarsi alla mano del suo autore: «Gli spigoli, i colori, tutto quello che ero solito fare con Dirt non funzionava». Nel rapporto tra autore e opera però, Dirt prende forma e trova la forza per lanciare la sua sfida: Do magic with your he(art).

L’invito è rivolto a un bambino, il figlio di Bob, il collega e amico del cartone animato che dà il via alla storia e, senza fare troppi spoiler, quel bambino, diventato adulto, darà vita in un mondo annientato dal virus a Mister Magic, l’eroe nato dalla passione per l’arte.

«Credo molto nel valore dell’imprinting dato ai bambini. Ho scoperto di avere la passione per il disegno già quando avevo cinque anni, ma se i miei genitori non mi avessero messo in mano i colori, non so cosa sarebbe successo. L’arte, come accade in Dirt, è anche una questione di eredità, una storia che si tramanda di generazione in generazione. Ci fanno credere che non abbiamo il tempo necessario per dedicarci all’arte, sembra impensabile oggi dedicare vent’anni a una cosa solo per imparare a farla», ma è così che si costruiscono i personaggi, costruendo le persone.

C'è di più: «L’arte passa dalla noia. Per fare arte c’è bisogno di fatica, sacrificio, dedizione, ma anche di non fare niente, di fermarsi. Quanti oggi sarebbero davvero disposti a farlo?». E poi c’è l’elefante nella stanza: il fallimento.

Giulio Rincione è anche un docente e davanti a sé ha di volta in volta decine di studenti che guardano al futuro terrorizzati dall’idea di non farcela: «Ci stiamo pian piano abituando a riabilitare il fallimento come parte della realtà, ma per ora siamo solo in grado di guardare con tenerezza al fallimento degli altri, non al nostro. Vediamo e ascoltiamo anche storie di insuccessi, ma si tratta sempre di cadute che, nel complesso della narrazione, occupano cinque, dieci minuti. La realtà è che si può fallire per anni, prima di trovare la propria strada ed è del tutto normale. I ragazzi non sono sempre come vengono descritti dal mainstream, ma mi accorgo che riescono a sopportare la fatica sempre per meno tempo, crollano talvolta già ai primi tentativi ed è per questo che è fondamentale fare i conti con il processo creativo e con i propri limiti».

Rincione immagina un mondo in cui l’AI guidi per noi evitando incidenti, risolva il problema del cambiamento climatico, supporti la ricerca e si traduca in un vero strumento che ci consenta di occuparci davvero della nostra vita. L’arte, per ora, è ancora un’altra cosa. Raccontare storie ha a che fare con la speranza, con il fallimento e con la diversità. «Con l’AI abbiamo dimenticato, per esempio, che esistono anche gli stili di scrittura: io posso e devo trovare la mia voce, devo imparare a usarla, perché il rischio è quello di strizzare l’occhio all’eccessiva capitalizzazione dell’arte e dare un aiuto alla dimenticanza. Come i cartoni, anche noi creativi dobbiamo tornare ad avere il desiderio di lasciare il segno».

E ora veniamo al nodo centrale: di cosa si nutre l’arte?

«Di realtà, di gusto e dedizione. Per scrivere le parole di Dirt ho dovuto fare un esercizio di astrazione paradossale: ti distacchi da te ma ti ancori alla realtà, immagini persone reali e il loro modo di pensare. Per disegnare delle scene puoi arrivare a non dormire la notte, il disegno diventa un’ossessione. È un percorso doloroso, in cui si vince e si perde costantemente, e come fai a spiegare a chi si sottrae a tutto questo che proprio quel dolore, quella mancanza, è la parte bella del lavoro? Ma il vero guaio è che l’arte è legata al gusto, alla bellezza di fare le cose, di assaporare ciò che si fa».

L’arte si nutre dell’impatto emotivo generato dalla realtà ed è necessaria perché possiamo scoprirci umani.

Giulio Rincione è un illustratore, pittore e fumettista palermitano. Inizia la sua carriera nel 2012 come colorista per Rizzoli Lizard e, l’anno successivo, fonda il collettivo artistico indipendente Pee Show, esperienza che lo conduce nel 2014 a collaborare con Shockdom Edizioni. Per l’editore realizza i primi due episodi di Noumeno, lavoro che gli vale il Premio Missaglia come autore rivelazione al Treviso Comic Book Festival 2015. Sempre per Shockdom firma alcuni dei titoli più rappresentativi della sua produzione, tra cui Paranoiae, Paperi (scritto con il fratello Marco e premiato con l’Andrea Pazienza come Miglior disegnatore), Vite di Carta, Condusse Me e Il cuore della Città, vincitore del Premio Boscarato come Miglior web comic. Nel 2022 torna come autore unico con la saga DIRT, edita da Tunué, il cui primo volume è stato finalista ai premi Micheluzzi e Gran Guinigi; la conclusione della serie è prevista per il 2027. Parallelamente collabora con realtà editoriali come Star Comics e Sergio Bonelli Editore, firmando numerose storie e copertine di Dylan Dog. Dal 2023 fa parte del team artistico di Dario Moccia per progetti di carte collezionabili e lavora anche per il mercato internazionale con Disney America, Marvel, DC Comics e Treyarch. Espone con la Cart Gallery di Roma e svolge attività didattica presso diverse scuole di fumetto italiane.

Il lavoro di rebranding dell’immagine di Bea parte da lontano e segue un metodo ben preciso, il Metodo Bea, che applichiamo su ogni progetto e cliente. È per questo motivo che abbiamo deciso di raccontare anche all’esterno i passaggi che abbiamo seguito e che ci hanno portato alla creazione della nostra nuova identità, del nuovo sito, del magazine digitale “Cipolla” e della newsletter “Slice”.

Dietro le quinte della nuova Bea

Nel 2024 Bea ha compiuto tre anni di vita e, in occasione del terzo compleanno, avvertivamo l’ambizione di fare uno step ulteriore, un passo in avanti.

Abbiamo iniziato a discutere internamente su quali iniziative fosse meglio intraprendere e abbiamo scelto di approcciare questo progetto esattamente come avremmo fatto per un cliente; ascoltando le esigenze, utilizzando gli insights emersi per creare una strategia ben definita e realizzando degli output su diversi canali.

Il primo passaggio è stato l’ascolto di tutta Bea. Con “tutta Bea” intendiamo che davvero tutto il team è stato coinvolto nella definizione delle fondamenta del progetto, attraverso due workshop, uno con i fondatori e uno con i colleghi. Abbiamo posto le stesse domande ad entrambi i gruppi e questo ci ha permesso di ridefinire un Golden Circle fondato su molti degli spunti emersi nel corso delle due sessioni. Il valore aggiunto di questi passaggi è stato proprio far convivere elementi “nativi” di Bea con nuovi spunti nati in tre anni di lavoro e che nel tempo sono diventati fattori differenzianti. Ecco cosa è venuto fuori:

Che cos’è per voi la narrazione strategica d’impresa?

"Se la comunicazione corporate fossero i poteri dello Stato, la narrazione strategica d’impresa sarebbe la Costituzione"

•  Raccontare le aziende attraverso storie di persone e di percorsi di business

•  Identità delle aziende (Identità aziendale?)

Bea è nata con l'obiettivo di raccontare le aziende attraverso le storie delle proprie persone e i loro percorsi di business, dando voce alle imprese a partire dal "perché" e dal "per chi" fanno ciò che fanno. Si propone come un player focalizzato sulla comunicazione owned, accompagnando le aziende nelle due grandi transizioni dei primi vent'anni del secolo: quella digitale e quella energetica.

•  Ambiente culturalmente libero e creativo

•  Contaminazione con professionalità diverse

Dagli insights emersi nel workshop è stato creato il golden circle, uno strumento che racchiude il perché Bea esiste, come vuole raggiungere il suo obiettivo e quali prodotti e servizi realizzi per arrivarci.

Ragionando sul why, sono emerse due considerazioni:

•  Il contesto sempre più complesso in cui viviamo offre alle organizzazioni una grande opportunità: quella di sfruttare la fiducia e la credibilità di cui godono per definire oggi i confini della società di domani, esponendosi sulle grandi battaglie del nostro secolo.

•  Per fare questo, è necessario ritrovare la propria identità e metterla in relazione con il contesto - ovvero la società all’esterno e i dipendenti all’interno.

Navigare il cambiamento è innanzitutto un tema di ownership e non di adoption.

Questo ci ha portato a riformulare il why profondo del nostro lavoro, ovvero aiutare le organizzazioni a dialogare con il contesto e scendere in campo all’interno delle grandi conversazioni del nostro tempo - sociali e non - senza perdere di vista la loro identità.

Le competenze che Bea mette in campo per perseguire questo obiettivo sono poi state riorganizzate su tre macro-aree fondamentali:

• Competenze strategiche che ricompongono la storia di senso di un’azienda, mettendo alla prova la sua identità in un contesto globale sempre più complesso.

• Competenze giornalistiche che costruiscono una narrazione a partire dai fatti e dai contenuti che un’azienda possiede, restituendogli un valore e un significato collettivo in modo valido e affidabile. 

• Competenze progettuali che fanno diventare il design un elemento centrale nella definizione del problema, nella generazione di idee e nella progettazione delle soluzioni così da considerare gli aspetti estetici, funzionali e esperienziali fin dalla fase iniziale dello sviluppo.


Il tratto distintivo che contraddistingue la nostra modalità operativa è il coinvolgimento del cliente in un “Editorial Journey” in cui a 4 mani vengono definiti e orchestati chiaramente tutti gli aspetti (strategici, di design e contenutistici).

“Be a media company” è la call to action con cui ci rivolgiamo all’esterno sintetizzando il why, l’how e il what. Quattro parole che esprimono l’opportunità ed esigenza di fare un passo in più nelle attività di comunicazione che le organizzazioni normalmente svolgono, per creare storie di senso da veicolare nel modo più creativo ed efficace che oggi abbiamo a disposizione, ovvero sfruttando in ottica sinergica tutte le forme e i linguaggi multimediali esistenti.

Durante il workshop abbiamo avuto modo anche di chiedere quali valori gli interlocutori associassero a Bea. Sono emersi diversi termini che abbiamo racchiuso all’interno di quattro parole chiave: onestà, coraggio, passione e creatività.

Lavoriamo con indipendenza di indirizzo, un approccio sincero e leale nel rapporto con i clienti e i contenuti, trasparenza nel pensiero critico, apertura nel processo di analisi, valutazione e comunicazione delle informazioni in maniera etica. 

Siamo una squadra audace che affronta le sfide con determinazione, senza paura del confronto e consapevole che per costruire il futuro che vogliamo si debba affrontare l’ignoto con audacia. 

Crediamo che i migliori progetti siano quelli che ci coinvolgono e ci chiamano in causa personalmente stabilendo una connessione emotiva con ciò che amiamo, offrendoci esperienze di senso e realizzazione personale e soddisfazione professionale.

Amiamo le prospettive divergenti e le idee che ci fanno scoprire qualcosa di nuovo, perché non ci sarebbe nulla di originale senza imprevisti. Idee che aprono orizzonti inaspettati e connessioni autentiche tra concetti esistenti, soluzioni semplici a sfide complesse.

Alla luce di tutto questo, abbiamo creato la master storyline - il documento strategico che definisce “La storia” da raccontare, declinata poi lungo tutto l’ecosistema di comunicazione - ovvero i canali di Bea attivi online e offline. Sui social questo ha significato arricchire i contenuti con un nuovo taglio, tone of voice e panorama argomentativo. Per quanto riguarda il sito, abbiamo rivisto completamente UX/UI e contenuti per creare uno storytelling più dinamico e interattivo. Ma non è tutto, anzi. L’elemento più ambizioso del progetto è “Cipolla”, magazine digitale registrato come testata giornalistica presso il Tribunale di Milano, che ospita contenuti inediti legati alla narrazione strategica d’impresa raccontata secondo vari punti di vista. Con essa nasce anche “Slice”, newsletter di Bea che mensilmente raccoglie riflessioni e materiali di approfondimento sui grandi temi che animano le conversazioni dentro e fuori il mondo della comunicazione. 

Il risultato è una sorta di sistema di vasi comunicanti, in cui i contenuti si muovono assumendo il tono, il formato e lo stile di ciascun touchpoint all’interno di una cornice strategicamente e visivamente coordinata.

Prima di avviare i lavori veri e propri, abbiamo aggiornato il brand book di Bea lavorando su logo, tipografia, colori, elementi grafici, fotografia, layout ed animazioni.

Una volta definita l’identità, è partita la progettazione degli output finali.

Il sito web è stato completamente ridisegnato e al suo interno è stato pensato uno spazio per le case history, il nuovo magazine digitale “Cipolla” ed un form per iscriversi alla newsletter, “Slice”.

Il magazine nasce con l’obiettivo di diventare il punto di riferimento della narrazione strategica d'impresa. Sentivamo l’aspirazione di creare un luogo in cui i lettori possano trovare idee e farsi ispirare, mettendo a disposizione di tutti gli argomenti ed i trend di cui discutiamo internamente ogni giorno. 
A completamento di questo percorso, abbiamo deciso di creare anche la newsletter Slice, una “fetta” di Cipolla firmata da Marco Bardazzi che riflette riguardo un tema specifico della narrazione strategica d’impresa ogni mese.

Tutto questo viene divulgato tramite i nostri social, con template creati ad hoc per gli articoli e nuovi format complementari.

La nuova identità, come questo articolo, sono frutto di un lavoro condiviso a cui, fin dalle sue fasi iniziali, ha partecipato tutto il team di Bea.

Quella tra il contenuto e la forma è una tensione che non sempre trova un equilibrio. Tanto più nel mondo della comunicazione, dove i ritmi martellanti spingono la bilancia a pesare più per il primo aspetto. Un’onta, per la quale l’attenzione alla forma diventa un antidoto fondamentale.

Come ti uccido un testo: crimini tipografici e delitti imperfetti

Quella tra il contenuto e la forma è una tensione che non sempre trova un equilibrio. Tanto più nel mondo della comunicazione, dove i ritmi martellanti spingono la bilancia a pesare più per il primo aspetto. Un’onta, per la quale l’attenzione alla forma diventa un antidoto fondamentale

Storia sana, in corpore (tipografico) sano. Quando un messaggio è chiaro e comprensibile, non è solo merito del contenuto ma anche della sua controparte grafica: la forma.

Nell’era delle interconnessioni e di una comunicazione sempre più efficace e centrale, un messaggio chiaro è un ponte verso il nostro interlocutore, un portale spazio-temporale per far arrivare il nostro punto di vista, personale e unico. La realtà è sempre più complessa e per cercare di dipanare questo groviglio occorre mettere in campo delle narrazioni il più possibile comprensibili, chiare e pulite. Queste caratteristiche vengono garantite da alcuni elementi, spesso considerati solo di contesto o come semplice cornice. L’impaginazione, il layout, la disposizione delle parole nelle gabbie tipografiche sono parte integrante del nostro messaggio, lo avvolgono e lo esplicano, lo contengono e allo stesso tempo lo consegnano a occhi e menti altrui. 

L’impaginazione, il layout, la disposizione delle parole nelle gabbie tipografiche sono parte integrante del nostro messaggio, lo avvolgono e lo esplicano, lo contengono e allo stesso tempo lo consegnano a occhi e menti altrui. 

L’esigenza di aprirci verso l’esterno e di comunicare pervade ogni momento, che sia una riunione di lavoro o una chiacchiera tra amici. La realtà ci pone ogni giorno la sfida di decifrarla. Dall’esterno ci provengono input che ci appassionano, ci smuovono, accendono e fanno sentire l’esigenza di esplicitare il nostro punto di vista. Per queste necessità comunicative occorre cura, intesa nel suo significato originario di dedizione, preoccupazione che si incrini la bellezza di ciò che ha catturato la nostra attenzione: amore che viene esplicitato con l’accudimento. 

La comunicazione implica per la sua stessa natura dialogica questa forma di attenzione: il significato che il mittente vuole esplicitare è circondato da elementi che devono avere un senso, nulla può essere lasciato al caso. La logica e la disposizione tipografica servono per raggiungere l’obiettivo finale della comunicazione: il destinatario. 

Al di là della presunzione di cancellare ogni elemento di imprevedibilità proveniente dal contesto o dal mezzo, la chiara volontà espositiva del mittente può aiutare a raggiungere l’obiettivo: comunicare ciò di cui sentiamo la necessità in un determinato momento e far sì che questo messaggio non si perda nella selva dell’interpretazione arbitraria e dell’incomprensibilità. Da navigatori di storie altrui, ci siamo imbattuti spesso in questa sfida, e la chiarezza è il porto sicuro a cui cerchiamo sempre di tendere, con la bussola della creatività. Per questo capita spesso di raccontare le storie, nostre o di altri, con presentazioni o forme grafiche. Lì dove non arriva il racconto orale, ci soccorre la scrittura. Per conquistare l’attenzione del nostro interlocutore dobbiamo curare l’organizzazione scritta del messaggio tramite presentazioni e slide.

Il testo è un intreccio in cui ogni filo è legato all’altro, e il disegno d’insieme è dato proprio dall’armonia tra le componenti. Basta recidere uno di questi fili e l’equilibrio svanisce. Per questo motivo il primo modo di uccidere la bellezza e la correttezza di un testo e, di riflesso, del messaggio veicolato è la mancanza di senso logico nel mandare a capo le parole.

La nostra bussola per non perderci è l’unità di misura del paragrafo: dobbiamo sempre far sì che abbia un aspetto ordinato, in cui ogni lettera abbia il giusto spazio per emergere ed esprimersi, in cui nessuna parola o preposizione venga lasciata sola alla fine del paragrafo per trasformarsi in “vedova”. Allo stesso tempo è importante anche che il nostro paragrafo di riferimento abbia il giusto spazio ed equilibrio ai suoi lati: tutte le parole devono essere ben intrecciate insieme alla fine di ogni riga, pena la creazione di “orfane”.

È tutto un gioco di equilibri: perché, ad esempio, dovremmo accettare un’impaginazione del genere?

Lasciamo ai poeti e agli artisti la scomposizione tipografica di un testo o di uno spazio. Il nostro interlocutore potrebbe accorgersi di questa scomposizione e, sapendo che non siamo allievi di Picasso, sarebbe spinto a credere che non abbiamo posto attenzione alla comunicazione: un aspetto che in alcuni contesti è fortemente creativo, diventerebbe così sintomo di approssimazione.

Basta un’accortezza in più e si riottiene l’equilibrio:

Non dividiamo ciò che l’analisi logica ha unito. Così come, senza volerlo, comunichiamo in ogni momento con la prossemica, con il modo in cui occupiamo lo spazio o gesticoliamo, allo stesso modo ogni nostro messaggio scritto e impaginato veicola un significato, fin dal momento in cui appare. Ok, non è corretto giudicare un libro dalla copertina, ma spesso è proprio l’involucro grafico ad attirare la nostra attenzione e ad attivare la curiosità a conoscere la realtà che ci circonda.

Un altro modo di recidere i fili dell’intreccio testuale è non allineare in maniera corretta il testo, che sia a destra e sinistra con andamento a bandiera, o centrale a epigrafe. Anche qui, con piccole accortezze, si può correggere una bandiera errata variando semplicemente la lunghezza delle righe del testo. Se non basta, si può intervenire sul contenuto stesso e scegliere parole che si adattino l’una all’altra anche da un punto di vista tipografico. Allo stesso modo, per ottenere un corretto testo a epigrafe, basta alternare righe corte e righe lunghe. Le parole non sono isole, proprio come le persone, e per questo non meritano di essere lasciate sole, ad affrontare la vacuità dello spazio alla fine di un paragrafo o di una riga.

Nel mare magnum della comunicazione in cui ogni giorno siamo immersi, per farsi veramente ricordare occorre affidarsi alla cura, unico detective sulla scena di crimini tipografici, in grado di risolvere questi e altri delitti imperfetti.